Apple mata Aperture. Adobe, amo del software fotográfico
Apple ha desterrado a Aperture de OS X Yosemite, ofreciendo en su lugar la app Photos, que pretende trabajar con un almacenamiento en la nube, de forma que el usuario pueda trabajar sus fotografías desde Mac, iPad e iPhone. Adobe, de mientras, queda como una de las más grandes opciones en software de edición fotográfica digital.
Apple ha matado a Aperture, el único software para los usuarios de la manzana que podía plantarle cara a Lightroom en la plataforma, en por de introducir la app Photos además de la iCloud Photo Library. Photos estará disponible a partir del próximo año, desde la cual podremos migrar toda nuestra librería de Aperture al programa. De mientras, Adobe se frota las manos, ama y señora del software fotográfico de edición.
Photos se estrenará junto al OS X Yosemite, asegurando ser más intuitiva al usuario y fácil de usar, a lo que la pregunta fundamental se resume en ¿será tan fácil de usar que quedará todo automatizado, dejando de lado el procesado detallado al gusto del usuario?. La diferencia más grande que veremos será que Photos también estará disponible en iPads e iPhones, lo que la hará omnipresente en todos los dispositivos de la marca. A diferencia de los músicos o los videógrafos, los fotógrafos nos quedamos sin programa específico ya que Logic y Final Cut seguirán desarrollándose como hasta ahora.El modelo pretende ofrecer almacenamiento ¿de pago? para poder trabajar en múltiples dispositivos
La decisión de Apple de quitar Aperture del nuevo OS, generará frustración en muchos usuarios y una codiciosa sonrisa en Adobe, concretamente con Lightroom, que estará de brazos abiertos para recibir a los usuarios que migren desde Aperture. Esta decisión de Apple debe tener una gran confianza por parte de sus desarrolladores ya que Adobe debe estar frotándose las manos como ama y señora del software de fotográfico de edición digital, especialmente con Lightroom.
Por la red también existe una preocupación general acerca de cuánto cobrará Apple a todos aquellos fotógrafos profesionales que quieran resguardar su trabajo en la nube. ¿Está tomando Apple la estrategia que tomó Adobe, ofreciendo el almacenamiento en la nube tras una mensualidad? Sólo el tiempo dirá.
Irista, el servicio en la nube de Canon
Irista es un nuevo servicio de Canon que permite a todos los fotógrafos tener acceso a sus fotografías hechas con cualquiera de sus dispositivos, desde las clásicas cámaras hasta los teléfonos móviles. Veamos que nos ofrece esta nueva idea de futuro prometedor.
Irista toma el relevo del Project1709 original (2009), que estaba en fase beta y que por fin empieza a funcionar para todos los fotógrafos del mundo, porque a pesar de ser un servicio de Canon, pueden utilizarlo los usuarios de cualquier marca, pues lee todos los formatos RAW del mercado, algo que no hace ningún otro servicio similar del mercado.
Ayer, unos cuantos periodistas y blogueros nos reunimos en una sala de la sede de Canon en Madrid. Atravesamos puertas, bajamos en ascensores, dimos nuestros datos y firmamos varios papeles para acceder a una sala con un proyector donde después de una agradable comida, un exquisito café, asistimos a una videoconferencia en la que nos descubrieron Irista, después de una excelente introducción por parte de Javier Martín García, Market Business Developer, Trade Marketing de Canon España, S.A.
¿Qué es Irista?
Irista es un servicio en la nube que permite almacenar todas nuestras fotos independientemente del dispositivo con el que estén tomadas: cámara réflex, compacta, tableta, móvil… Y encima se integra a la perfección con Facebook y Flickr, por lo que podemos tener controladas todas nuestras fotografías.
El servicio esta basado en cuatro pilares, que ya caracterizaban al Project1709:
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Fácil manejo. Es muy intuitivo y podemos empezar a manejarlo nada más conectarnos.
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Conectividad total. En cualquier momento podemos enviar nuestras fotografías a las redes sociales que están activas en el servicio, como son Flickr y Facebook.
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Control absoluto. Los archivos están todos en un único lugar y podemos acceder a ellos desde cualquier dispositivo siempre y cuando estemos conectados a la red.
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Fuente de inspiración. Además de las fotografías, podemos ver, con la misma interfaz que las cámaras Canon, todos los metadatos del archivo, para saber en cualquier momento cómo están hechas y cuáles son sus valores.
Pero el servicio no se queda ahí. Una de las cosas más interesantes que ofrece es la posibilidad de clasificar y categorizar todas las imágenes que vamos subiendo, para poder hacer posteriormente distintos filtros de búsqueda que nos permitirán encontrar la fotografía que estamos buscando en un instante. Es lo mismo que podemos hacer en Lightroom, dirán muchos, pero la ventaja es que podemos hacerlo con todas los archivos de nuestros dispositivos.
Ventajas de Irista
Aparte de lo que ya hemos indicado, una de las ventajas más reseñables es que estamos ante una plataforma abierta para todos los usuarios, aunque porten cámaras de otra marca. Es muy útil poder visualizar cualquier archivo RAW dentro de Irista. Esto es sin duda algo que atraerá a todos los profesionales que quieran tener siempre acceso a sus imágenes. Todavía no me imagino poder ver mis RAW en el móvil mientras estoy en lo alto de una montaña (siempre que tenga sentido hacer esto, claro está).
Irista sirve tanto para el adolescente que hace cientos de fotos de su agitada vida en el instituto como para el profesional que necesita tener en cualquier momento la posibilidad de enseñar su trabajo y gestionar sus redes sociales sin perder el tiempo.
Y por supuesto, los filtros de búsqueda, que nos permite encontrar archivos hechos, por ejemplo, con una cámara y un objetivo en particular, o ver si nuestros mejores disparos son aquellos que hacemos con un angular o con el teleobjetivo, para decidir una futura compra de material.
Disponibilidad
Desde hoy mismo, todo aquel que quiera utilizar Irista puede hacerlo. Sólo hay que entrar en la página, registrarse, y empezar a subir todo nuestro material. Lo mejor de todo es que el servicio es gratuito, aunque podemos pagar para tener más capacidad, siempre y cuando lo necesitemos.
De entrada, todos tenemos 10 Gb de espacio, con todas las funciones activas. Si queremos 50 Gb de espacio podemos pagar 4,99€ al mes o 49€ al año. Y si necesitamos 100 Gb, tendremos que pagar 10,99€ al mes o 109€ al año.
Un cálculo rápido que podemos hacer es que si nuestros RAW pesan 20 Mb, podemos almacenar hasta 500 fotografías sin problemas, más que suficiente para hacer, por ejemplo, una copia de seguridad extra en la nube de nuestros mejores trabajos (quién diga que tiene más de 500 disparos buenos es un optimista).
Estamos en el principio de la historia, y le faltan algunas cosas, como integrarse con más servicios, como por ejemplo alguna red social más o con las plataformas de blogs; tener un pequeño editor (una versión reducida de Digital Photo Professional, algo que sería un plus para los dueños de cámaras Canon); y la posibilidad de poder abrir los archivos directamente en Photoshop o cualquier otro programa de edición. Ya veremos cómo evoluciona Irista, el servicio en la nube perfecto para los fotógrafos.
Cómo una fotografía le cambió la vida a Mike Kelley
Mike Kelley es un fotógrafo, autor de la fotografía ‘Wake Turbulence’, la que vemos aquí debajo. Una fotografía que se volvió viral por todo el mundo y que le ha valido para encontrar trabajo con aerolíneas y fábricas de aviones. El autor cuenta su experiencia en Petapixel y nosotros te la traemos para que tú también la conozcas.
El pasado Marzo, Mike Kelley se levantó para realizar una fotografía, dándose la casualidad casi divina de que las estrellas se alinearon para que Mike disfrutara de unas condiciones climáticas excelentes. El fotógrafo quería crear una foto en el aeropuerto internacional de Los Ángeles no sólo para mostrar los aviones, sino para crear una imagen única que mostrara el carácter internacional y bullicioso del aeropuerto y la ciudad.
La fotografía resultante es la que vemos arriba, ‘Wake Turbulence’. “Una fotografía que ha sido robada, comprada, vendida y de la que Internet se ha beneficiado mucho, aunque también me ha servido para que mucha gente se interese por mi trabajo”, dice Mike. La fotografía ha sido portada de muchos medios como la NBC, Fox, The Daily Mail, The Washington Post, Gizmodo, numerosos portales internacionales y también fue portada durante día y medio en Reddit. Mike ha visto su correo electrónico saturado, su móvil no ha parado de sonar para ofrecerle comprar su trabajo y entrevistas, y muchas empresas de construcción de equipos aeronáuticos y aerolíneas le han pedido trabajar para ellos.
‘Wake Turbulence’ fue en un principio programada para ser realizada durante unas cuantas horas, pero cuanto más disparaba, más quería seguir disparando. El fotógrafo estuvo en el spot durante 8 horas disparando constantemente a los aviones que despegaban de la pista. “Me quemé por el sol y estaba hambriento, pero la emoción de conseguir la fotografía que tenía en la cabeza era motivación suficiente para seguir disparando”, relata Kelley. Tras esas 8 horas sin moverse del sitio, era hora de volver a casa y procesar la fotografía. “Cortar, pegar, copiar, duplicar, empujar, combinar, curvas, saturación, escala, una y otra vez”, así fue el workflow durante unas cuantas horas. El resultado fue una imagen de 2000 píxeles de ancho, sin marca de agua, que Mike colgó en la pequeña comunidad de aviación de Reddit.
Al levantarse, su fotografía era la más vista de toda la comunidad, y su email así como su teléfono estaban plagados de peticiones de contacto desde todas partes del planeta. “Esa segunda noche intenté dormir pero me fue imposible, la emoción era demasiada par mí, y si ya tengo el sueño ligero, esto me hizo que no pudiera pegar ojo”, comenta Mike. Al tercer día de publicar su fotografía,una agencia le contactó para licenciar su fotografía, ofreciéndole el pago de las royalties por el uso de su fotografía.
Durante los siguientes días, muchas organizaciones y empresas se pusieron en contacto con Kelley. Empresas constructoras de aeronaves querían que Mike tomara fotografías de sus productos; los aeropuertos le contactaron para realizar fotografías en instalaciones de acceso restringido como la torre de control o zonas a pie de pista en las que es imposible acceder. “‘Wake Turbulence’ me ha dado unas oportunidades que nunca creí que podría tener”, comenta Mike al que vemos en la fotografía sosteniendo su aclamada fotografía.
El orgulloso fotógrafo entonces cabila la razón por la que la fotografía fue tan compartida.
“Lo principal es que la colgué en Reddit, y si algo genera interés en Reddit, los medios van a estar interesados en darle difusión porque saben que generarán interés. [...] Sin embargo, no es sólo el colgarlo en Reddit, sino que la colgué a una buena resolución y sin marca de agua, algo que hice conscientemente porque cuando ves una imagen impresionante, quieres ampliarla y ver los detalles; en cuanto a la marca de agua, si el espectador ve una fotografía sin marca de agua, no afecta a su experiencia porque no hay nada que le distraiga y el efecto es mucho más positivo. La totalidad de Internet odia los anuncios, y se sentirán menos interesados en compartir una fotografía que lleva un anuncio colgante que una que no lo lleva. [...] En la fotografía hay aerolíneas de todo el mundo, por lo que muchas personas reconocerían alguna de su propio país. Las condiciones climáticas afectaron notablemente ya que la ausencia de niebla o smog hicieron que la claridad del día fuera la ideal para hacer la fotografía y conseguir un resultado técnicamente excelente”.
Son argumentos bastante convincentes de los que todos podemos tomar notas cuando tengamos en nuestras manos una fotografía que podría ser potente y que puede tener tracción en plataformas como Reddit. Todo se basa en entender a quién ve las fotografías por internet, cómo las ve y cómo se siente cuando las comparte; entendiendo conceptos básicos sobre audiencias tendremos el poder de pasar de una fotografía que pasa inadvertida a una fotografía que puede convertirse en viral. Sin embargo, a pesar de que la fotografía haya sido robada y vendida, generando ingresos que no llegaron a Mike, él dice…
“Para ser honesto, no me importa que la imagen esté por ahí fuera. Me ha abierto tantas puertas que aún no me lo puedo creer. No tengo idea de lo que será el futuro de la fotografía de aviación, pero siendo una veterana pasión, no podría estar más emocionado que esta imagen a una alta resolución y sin marca de agua, me ha dado.”
El ejemplo de Mike es uno de esos que demuestran que el trabajo creativo personal es una de las mejores herramientas para meter la cabeza en la industria fotográfica, especialmente en el trabajo de fotografía industrial. Dá que pensar que una fotografía hecha por pura afición, sin una intención de generar ingresos puede ser la mejor forma de venderse a uno mismo.
Si quieres ver más trabajos de Mike Kelley, puedes acceder a su página web, o su Facebook.
Decálogo del buen revelado
Presentamos el decálogo de la rutina de revelado, que tendremos que hacer con todas las fotografías que pasen por nuestras manos para conseguir que luzcan lo mejor posible. Se puede aplicar con cualquier programa del mercado, con la seguridad de conseguir siempre el mejor resultado posible.
Antes y después del decálogo
Este fin de semana he estado dando un curso en Asturias, y uno de mis alumnos, cuando explicaba cómo revelar una fotografía, se ha dado cuenta de que la rutina que enseño es un decálogo de revelado. Por eso voy a publicarlo aquí, aunque muchas veces lo he aplicado en la sección ALTFoto edita tu foto. La esencia de este método viene de los consejos de Hugo Rodríguez en su libro Captura digital y Revelado de RAW.
Estos son los diez pasos fundamentales que podemos seguir para conseguir una fotografía bien revelada. Puede ser el fin o el principio de un revelado más a fondo, pero la mayoría de las veces es suficiente con ellos. Empecemos:
Mirar la fotografía
El primer paso siempre es el más importante. Nos animamos a revelar una fotografía si nos gusta y si vemos que tiene posibilidades. Es importante que valoremos sus virtudes y sus defectos, que nos fijemos en los límites de su encuadre por si es necesario recortar. Damos importancia al color, si está bien combinado, porque a lo mejor hace falta pasar la fotografía a blanco y negro.
Entender el histograma
Si entendemos el histograma, podremos avanzar en el mundo del revelado digital. Es imposible llegar a buen puerto si no entendemos lo que nos está diciendo el histograma. Es muy esclarecedor darse cuenta de sus faltas y sus excesos.
Si llega al extremos derecho tenemos mucha información con la que trabajar. Si no llega habrá ruido. Si la parte central carece de información y los extremos toman mucha altura, estaremos ante una fotografía con mucho contraste, pero si ambos extremos están vacíos, y todo se concentra en el centro entonces la imagen tiene poco contraste… Todas estas cosas y algunas más las tenemos que ver claras durante este paso.
Corregir los problemas ópticos del objetivo
Los objetivos con los que solemos trabajar no tienen toda la calidad que podríamos desear. Por eso es necesario corregir sus distorsiones, sus viñeteados y sus aberraciones cromáticas. Este tema era muy complicado hace unos años, pero todos los programas de la actualidad permiten hacer las correcciones pertinentes de cualquier objetivo de marca reconocida. Desde los de Adobe hasta los software de las marcas permiten enmascarar los fallos de nuestros objetivos, que siempre los tienen, con mayor o menor fortuna.
Reencuadrar la fotografía
Ahora es el momento de recortar la fotografía siempre que sea necesario y que así lo hayamos valorado en el primer paso. La mayoría de las imágenes mejoran ajustando el encuadre porque permite centrarse ene el elemento principal o eliminar objetos que se nos hayan colado en los extremos del encuadre.
Hay fotógrafos que son contrarios a esta práctica, pero pienso que siempre que se pueda mejorar un disparo sólo por recortar es algo lícito, pues no estamos inventando nada, sólo estamos mejorando la impresión, tal como hacíamos en el laboratorio químico.
Eliminar las dominantes de color
Un buen equilibrio de blancos mejora cualquier fotografía. Siempre recomiendo trabajar con el equilibrio de blancos automático en la cámara, para evitar problemas durante los continuos cambios de iluminación que hacemos en un viaje.
Por este motivo es importante ajustar en este momento y eliminar las posibles dominantes de color que tenga la fotografía. En muchos casos la imagen parecerá otra sólo con pinchar con la herramienta correspondiente en una zona sin dominantes, como puede ser el blanco y el gris.
Valorar la luminosidad general de la imagen
Decidimos si queremos la fotografía más oscura o más clara, o nos sirve tal como está. En Camera RAW o Lightroom se controla con Exposición, pero en otros programas sigue denominándose Brillo.
Contraste
Elegimos el grado de contraste para oscurecer las zonas oscuras y aclaras las parte claras, es decir, las separa. Si subimos el contraste suele aumentar la saturación de los colores y la fotografía parece más enfocada, pero sólo es una sensación. Realmente, con un contraste alto, la imagen tiene más fuerza y carácter, pero es un apreciación subjetiva.
Arreglar el lado derecho del histograma
Una vez hemos hecho los ajustes generales de la fotografía, nos tenemos que preocupar de las partes. En primer lugar las luces. Tenemos que asegurar que conseguimos un blanco absoluto para registrar una gama completa. En los programas de Adobe tenemos Blancos y Altas luces, pero todo consiste en trabajar con la zona superior de las Curvas. De hecho sería fantástico que todos aprendiéramos a usarlas, pero entiendo que es harto difícil si no tenemos costumbre.
Arreglar la zona izquierda del histograma
Ahora es el momento de las zonas oscuras de la fotografía. Tenemos que conseguir al menos un negro absoluto, una pequeña zona de la imagen sin detalle, así terminaremos de completar todos los niveles del histograma.
Aumento de la acutancia
Y el paso final, el número 10, es subir el contraste de los tonos medios, para conseguir una mayor sensación de nitidez. Hay muchas formas de conseguirlo, pero una de las más sencillas es acudir al comando Claridad de Adobe. Eso sí, es importante no abusar.
Y con este paso completamos la rutina de revelado que hay que seguir con cualquier programa de edición para conseguir que una foto luzca con el mejor aspecto posible. Las diferencias entre el ante y el después pueden ser sutiles, pero marcaremos la diferencia entre una buena fotografía y otra fabulosa.
Mejorar nuestra fotografía de paisaje
La fotografía de paisaje es una de las especialidades más agradecidas, pero una de las más exigentes con el fotógrafo. Aquí veremos algunos consejos que nos permitirán iniciarnos en este apasionante mundo.
Lo primero que tiene que quedar claro es que todos tenemos familia y amigos y, me imagino, queremos seguir conservándolos. El 98% de los viajes que realizamos los hacemos acompañados, y este hecho, por lo demás reconfortante, no es el mejor aliado para hacer fotografía de paisaje como pretenden todos los manuales al uso. Hay cosas que debemos asumir de entrada.
Consejos imposibles de las guías
Sugieren levantarse a primeras horas de la mañana, recorrer concienzudamente todo el territorio que queremos fotografiar para calcular cuál será la mejor hora, ir cargados con el trípode más pesado y cámaras de gran formato, volver a ese sitio a la hora que hemos previsto, montar el equipo y esperar las horas que hagan falta, con el clima que sea, para conseguir ese momento único e irrepetible que vamos a tener la suerte de presenciar y, después de todo nuestro esfuerzo, fotografiar. Seamos realistas y, sobre todo, clementes con nuestros acompañantes. No todos podemos ser Michael Kenna, aunque lo podemos intentar.
Todo lo que dicen estos manuales lo podríamos cumplir si fuéramos solos, si tuviéramos todo el tiempo del mundo, y vocación de mulas de carga. Desde luego que conseguiríamos los mejores resultados, pero se nos estaría olvidando lo más importante para el fotógrafo aficionado, que es disfrutar. La única manera de cumplir todas estas normas es salir a hacer fotos de paisajes dentro de nuestro entorno habitual, es decir, hacer las fotos en algún parque de nuestra ciudad o en los campos del pueblo al que solamos ir con frecuencia, o en la playa donde tengamos (qué suerte) un apartamento. En esta situación, podemos salir solos y dedicar todo el tiempo que queramos, sin molestar y sin ser esclavos del reloj. Además, esto nos permitirá un buen ejercicio visual, que es buscar imágenes originales en un entorno conocido. Seguro que descubrís muchas cosas.
No hacen falta una cámara de banco, un trípode de madera, un juego interminable de filtros, viseras cinematográficas… Todo puede ser más sencillo, y aunque no consigamos los mejores resultados, si podremos colgar en nuestras paredes o páginas hermosas fotografías. Todo depende de nuestro grado de exigencia.
Consejos realistas
Para nuestros viajes, nos basta nuestra cámara y la buena compañía. Fotografiaremos el momento que vivimos, con la luz que hay y con los medios que tengamos, así también haremos otro buen ejercicio, conseguir una buena foto aunque nos veamos limitados de tiempo y material, tal y como trabajan los reporteros de prensa. No hay nada más gratificante.
El equipo que podemos llevar para esta modalidad fotográfica es muy sencillo, si no queremos complicarnos la vida, basta con una sencilla cámara compacta. No podemos olvidar que la cámara no es más que un instrumento, o como decía Alberto Schommer, una prolongación del ojo.
Las cámaras digitales son una bendición para este tipo de fotografía
Pero si queremos tener más control sobre la imagen, y esto facilita mucho las cosas, tendremos que llevar una réflex o una EVIL, con una buena gama de focales, que nos permita jugar con la exposición -diafragmas y velocidades- y los encuadres. La libertad y la comodidad que dan sus sistemas de visión y sobre todo la posibilidad de cambio de focales, las hacen invencibles en este terreno.
Las cámaras digitales son una bendición para este tipo de fotografía por muchos motivos, pues han permitido algo muy importante para muchos fotógrafos, evitar tener que cargar con dos cámaras a todos aquellos que querían hacer B/N y color. Si disparamos en formato RAW, tendremos la posibilidad de jugar con las iluminaciones posteriormente en el ordenador, sin miedo a generar ruido o dejar la zona de luces sin valores. Y como podemos comprobar en el momento si la foto ha salido, en el instante podemos corregir y volver a sacar ese momento irrepetible con distinto encuadre o con una exposición más cuidada…
Siempre es mejor tener un buen objetivo antes que una cámara excelente
Respecto al tema de la óptica, lo más importante para esta especialidad es que sean las mejores que nos podamos permitir, con el fin de conseguir sacar los mejores detalles, los más finos. Un objetivo malo destaca por la falta de calidad que da en los bordes y por el viñeteado que provoca. Siempre es mejor tener un buen objetivo antes que una cámara excelente. Y compensa tener un buen objetivo antes que varios de mala calidad. Lo más cómodo es llevar dos buenos objetivos zoom, por ejemplo, un 24-70 mm y un 70-200 mm. Pero si me hacéis caso y os pasáis a los fijos, vuestra espalda lo agradecerá y el resultado final será mejor.
Y por último, ¿B/N o color? Con la fotografía clásica, o nos decidíamos por una o por otra, y como hacíamos mucho, terminábamos llevando las dos. Unos buenos carretes de diapositivas de baja sensibilidad (50 ISO) y unos cuantos de blanco y negro. El mundo digital nos permite tener lo mejor de los dos mundos, en el menor espacio posible. No hay que olvidar llevar dos o tres tarjetas y una batería de recambio. No hay nada peor que ver la foto y no poder hacerla.
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