Cómo hacer balance de blancos está mal expresado en español. Se ha traducido white balance como balance de blancos. Una traducción directa y evidente realizada por alguien (¿quién habrá sido?) que cayó en la trampa de los populares false friends del inglés. Si acudimos al diccionario de la RAE, leeremos lo siguiente:

1. m. Movimiento que hace un cuerpo, inclinándose ya a un lado, ya a otro.
2. m. Estudio comparativo de las circunstancias de una situación, o de los factores que intervienen en un proceso, para tratar de prever su evolución.
3. m. Com. Confrontación del activo y el pasivo para averiguar el estado de los negocios o del caudal.
4. m. Com. Estado demostrativo del resultado de dicha operación.
5. m. Esgr. Movimiento que se hace inclinando el cuerpo hacia adelante o hacia atrás, sin mover los pies.
6. m. Mar. Movimiento que hace la nave de babor a estribor, o al contrario.
7. m. desus. Vacilación, inseguridad.

Ninguna de la acepciones se acerca a la definición de white balance, que se refiere a la reproducción del color libre de dominantes, algo que puede ser más evidente en los tonos neutros, como la famosa escala de grises del sistema de zonas, por ejemplo. Por lo tanto sería más apropiado hablar de equilibro de blancos o ajuste de blancos.

Como cualquier aspecto técnico de la fotografía digital, hay tantas teorías como profesores. Pocas veces encontraremos a dos personas que digan exactamente lo mismo. Existen los que niegan su importancia y los que no salen de casa sin su carta de ajuste por lo que pudiera pasar.

En la época clásica (creo que ya podemos hablar así de la era de los carretes) las películas estaban ajustadas para luz día y para luz de tungsteno. Para 5000 kelvin o para 8000 kelvin, creo recordar. Cuando hacíamos fotos que se salieran de una situación con esa temperatura de color, empezaban los problemas. Muchos fotógrafos lo utilizaban de manera creativa, aprovechando los extraños colores que salían; otros iban con una bolsa con diferentes filtros para compensar; y algunos tenían la suerte de tener un colorímetro, con el que medían la temperatura y en función de los datos obtenidos ponían el filtro adecuado según una referencia de la entonces inmortal Kodak.

Con la fotografía digital el tema se ha simplificado bastante, pero lo que hace la mayoría de la gente es poner AWB en la cámara y listo. Es una buena opción, no se puede negar, pero si queremos realizar un buen trabajo no es la mejor opción. Y si disparamos en jpeg, apaga y vámonos.

¿Para qué sirve el equilibrio de blancos?

El equilibrio de blancos sirve para detectar las dominantes de color en una situación fotográfica, equilibrarlas y conseguir una fotografía sin dominantes. No sirve para corregir los colores, no nos confundamos, sólo sirve para neutralizar la gama de grises. Para corregir los colores es necesario calibrar la cámara, aunque un buen ajuste de blancos es el primer paso importante para una buena lectura de los colores.

Muchos fotógrafos, como por ejemplo Tino Soriano, siempre confiesa en sus talleres que uno de los secretos de su trabajo, además de su ojo sin igual, es poner la cámara siempre con el ajuste preestablecido Luz día, representado con el icono de un sol en la mayoría de las cámaras. Así consigue jugar con las diferentes dominantes que tienen las luces artificiales o los distintos estados del tiempo, como un día nublado. Es una forma perfectamente válida de trabajar. Otros como Hugo Rodríguez defiende el equilibro de blancos perfecto. Con esto quiero decir que muchas veces elegir una temperatura u otra depende de un criterio estético y personal. Por ejemplo, cuando hacemos una atardecer no queremos perder la dominante anaranjada, por lo que nunca equilibramos el blanco en dicha situación, pues quedaría una foto perfecta desde el punto de vista técnico, pero desde estéticamente se alejaría de la realidad.

La temperatura de color se miden en Kelvin. Luz día tiene un valor de 5500K; Nublado 6500K;Fluorescente 3800K… A través de pruebas de laboratorio y las normas de certificación de la industria se han establecido estos valores, que pocas veces coinciden con la realidad. Por ejemplo, ¿la temperatura de la luz día es igual en un país del norte que en el sur de España?, ¿un fluorescente mantiene la misma temperatura de color durante toda su vida útil? Esas temperaturas que nos ofrecen todas las cámaras sólo son valores ideales, no reales.

El gran problema es que un equilibrio de blancos equivocados influye, y mucho en algunos casos, a la exposición. Puede llegar a suponer un error de un paso. Si queréis hacer la prueba, fijaos la próxima vez en cualquier fotografía vuestra y cambiar la temperatura de manera drástica en ACR o Lightroom. Ya me contareis qué pasa.

Ajustar correctamente el equilibrio de blancos en la cámara

El momento del disparo es básico para conseguir una buena exposición, y por lo tanto un buen resultado técnico. Veamos cuáles son las opciones que tenemos:

Disparar en AWB

Para la mayoría de los fotógrafos mortales que queremos disfrutar con la fotografía esta es la mejor opción, aunque no es la mejor solución. Ajustamos en la cámara este ajuste preestablecido y ella, después de una serie de ajustes y unos sencillos cálculos matemáticos que consisten en conseguir que los tres canales de color RGB del píxel elegido tengan el mismo valor. Si este punto se vuelve equilibrado con esa luz, todos los demás harán lo mismo. Esto es estupendo si la luz proviene de una única fuente y no está contaminada por un reflejo, pero será un gran problema si hay varios puntos de luz. Además, ¿qué puntos mide la cámara?, ¿cómo sabe si ese muro es naranja o está recibiendo la luz de un flexo con la tulipa de dicho color?

Si seguimos adelante con esta práctica de riesgo siempre podemos acudir a solucionarlo en cualquier programa de edición, sólo con pinchar con la herramienta Equilibrio de blancos en el lugar adecuado. ¿Pero cuál es? Lo ideal es un punto blanco, antes que un punto gris como se decía antes. Lo difícil es encontrar ese punto blanco sin dominantes…

Dentro de este punto incluyo también los ajustes preestablecidos de Luz día, Sombra, Nublado, Fluorescente… Son buenos puntos de partida, pero insuficientes para una correcta medición. Además podemos empezar a hacer fotos muy motivados con estos valores y cambiarlos cada vez que cambiemos de luz, pero lo más seguro es que llegue un momento en el que nos despistemos y hagamos todas las fotos con una bonita dominante azulada por habernos olvidado de cambiar el ajuste preestablecido Tungsteno.

Ajuste manual del equilibrio de blancos

Es la opción más acertadas si queremos hacer bien nuestro trabajo, o queremos sacar todo el rendimiento a nuestra cámara. Consiste en llevar con nosotros el blanco ideal para hacer un ajuste correcto. Muchos pensareis que con un folio o con la camiseta basta, pero no es así. Nos toca gastarnos el dinero. Hay que comprar una buena carta blanca como la que viene con la Passport Color Checker o la plegable de Lastolite.

Una vez nos decidamos por hacer una foto, disparamos antes una con la carta blanca recibiendo la luz que ilumina la escena. Es importante que la carta llene por lo menos la mitad del encuadre. Una vez hecha, y dependiendo del modelo de cámara, tenemos que grabar ese disparo como ajuste personalizado de equilibrio de blancos.

Todas las fotos que hagamos bajo la misma iluminación quedarán perfectas y la exposición (el histograma) será siempre correcta. Tendríamos que cambiar dicho ajuste si cambia la luz. Es un poco engorroso, pero como siempre digo, nadie ha dicho que la buena fotografía sea fácil.

Otra opción más drástica, dentro del ajuste manual, es la propuesta por Guillermo Luijk, que a través deUniWB se puede anular el equilibrio de blancos en la cámara, con lo que la exposición e histograma es más fiel a la realidad de un RAW. Si elegimos dicho método de trabajo, nuestras exposiciones serán más precisas pues la temperatura de color ya no influirá en la medición de la luz. Es algo complejo, pero puedo asegurar que funciona. Explicarlo aquí sería muy largo, por lo que os remito a la página del autor.

Espero que este artículo os haya resultado interesante. Más adelante escribiré uno sobre la corrección del equilibrio de blancos en el ordenador.

FUENTE | ALTFOTO | FERNANDO SÁNCHEZ FERNÁNDEZ

A todos nos gusta tomar fotografías y muchos entendemos cómo funciona una cámara. Pero ¿realmente sabes que sucede con al luz al llegar al sensor? La luz atraviesa varios filtros y dispositivos antes de alcanzar al sensor y aun allí es modificada. Veamos todo lo que sufre la luz antes de convertirse en bits y bytes.

La semana pasada hablamos acerca de la luz. Cómo se comporta, qué la afecta y cuáles son sus principales características. Hemos entendido que no tomamos fotografías, sino que pintamos con luz. Pero toda esta luz tiene que ser interpretada; de alguna manera tiene que capturarse y convertirse en un formato que pueda transmitirse de manera digital. Veamos entonces cómo se comporta la luz una vez que alcanza el sensor.

Finalizado el viaje a través de la lente, la luz todavía sufre varias modificaciones. Vamos a hablar del viaje promedio que realiza, el que la luz debe atravesar en la mayoría de las cámaras comunes de hoy en día, por lo que el proceso será similar a todos los casos posibles pero no igual en ciertos sensores o configuraciones.

Filtro de paso bajo

El primer paso que debe realizar la luz es atravesar el filtro de paso bajo. Este filtro es una fina lamina que se encuentra por sobre el sensor —el mismo que limpias al “limpiar el sensor” ya que no estás tocando el sensor propiamente dicho, sino el filtro de paso bajo— que “prepara” la luz para que esta sea interpretada de la mejor manera posible por la cámara. Este filtro usualmente lo que hace es reducir el efecto muaré que se presenta cómo olas u ondas en zonas de la imagen con patrones repetitivos. Claro que cualquier filtro por delante de la luz reduce la calidad de ésta, introduciendo problemas y desenfoques, pero usualmente el beneficio que traen es mucho más superior que los problemas que introducen.

En algunos tipos de fotografía estos ajustes que realiza el filtro son tan críticos que se comercializan ciertas cámaras que deshabilitan a pedido o directamente carecen la acción de este. La Nikon D800E es un claro ejemplo: directamente no trae este filtro, sino que su sensor es impactado directamente. Esto obliga al usuario a lidiar con problemas de patrones muaré en la postproducción, pero le permite tener fotografías de una acutancia muy, muy alta.

Filtro Bayer

El segundo filtro que debe atravesar la luz es el filtro Bayer (cuyo inventor murió el año pasado). Este filtro es el más agresivo de todos, ya que altera profundamente la luz y la “clasifica” en cierta manera, en pos de solucionar ciertos problemas nativos de todos los sensores comunes.

El filtro Bayer es una matriz de mosaicos verdes, rojos y azules qué, obviamente, representan los colores primarios. Cuando la luz atraviesa uno de estos mosaicos, solo al color correspondiente al mosaico se le permite el paso mientras que resto del espectro es absorbido. Los mosaicos verdes solo permiten las tonalidades verdes, los mosaicos rojos las tonalidades rojas y la misma historia con las azules. Estos rayos filtrados alcanzan cada fotodiodo de la cámara y estos almacenan la luz como una carga eléctrica.

Pensándolo un poco te darás cuenta que en este caso, cada pixel del sensor almacenaría solo una tonalidad de color, en vez del rango de tres colores a los que estamos acostumbrados y que representan todas las imágenes que vimos y veremos. Y esto es así, por qué los pixeles de la cámara “ven” en blanco y negro.

Así es, el sensor en realidad no detecta colores, sino intensidades. Cuando un rayo de luz impacta un fotodiodo, este no analiza su temperatura o parte del espectro de luz, sino que detecta tan solo que tan intenso es.

Entonces, una vez filtrada la luz en sus respectivos colores primarios la imagen debería verse, justamente, como ese filtro de colores. Y previamente a que la imagen sea guardada, esto es verdad.

Como se puede ver en la imagen de arriba, la fotografía antes de ser procesada se ve así. Es un enorme mosaico de colores que poco se corresponden con la vista que tuvimos a través de la lente. Lo que se hace para que la fotografía final se parezca a la vida real es interpolar la información. La interpolación es un tema que va y viene en este blog, siempre polémico y siempre se presta para el debate. Funciona de manera muy sencilla: estimando la información que falta.

Digamos que tenemos varios pixeles verdes y muy pocos azules y rojos. Nuestra grilla producida por el filtro Bayer mostraría intensidades muy altas en las secciones verdes y muy bajas en las otras dos. La interpolación, simplificando el asunto, estima cuales serían las intensidades basándose en la información que tiene alrededor y en nuestro ejemplo calcularía los espacios rojos y azules como verdes. En cierta manera, esta función “inventa” la información de color que no tiene y produce una imagen final más fiel que la que otorga el filtro Bayer. Y aunque parezca un pésimo método, es el mismo que venimos utilizando hace más de una década. Obviamente la interpolación produce problemas de acutancia y pérdida de nitidez, pero aún hoy sigue siendo el mejor método para volver a obtener la información que el filtro Bayer elimina.

Finalizada la captura de luz, los fotodiodos que fueron impactados almacenan la luz como una carga eléctrica que se le asigna un valor entre 0 y 255, siendo 0 la completa falta de luz y 255 el punto máximo donde el fotodiodo puede ser excitado. Esta carga es leída línea por línea por el controlador de la cámara, comenzando desde la parte de abajo del sensor hasta arriba —ya que la lente “da vuelta” la luz al atravesarla, dejando la parte superior de la imagen en la inferior y viceversa. Esta lectura línea por línea es la que introduce el efecto gelatina o rolling shutter al grabar video, ya que cuando se lee la última línea ha pasado un tiempo considerable de cuando se leyó la primera.

Estos datos se guardan se codifican a bits, se le aplican ciertos filtros digitales que varían con cada fabricante y se envían a la tarjeta SD. Luego tú la publicas en tu red social favorita y recibe unos cuantos likes. Tremendo viaje, ¿verdad?

FUENTE | ALTFOTO | ANDRÉS REY

Seguramente conozcas más de una valiente mujer que ha luchado o lucha contra el cáncer de mama. Y es que este cáncer es por lejos el más frecuente en las mujeres. Cada año aparecen 1,38 millones de casos, y de ellos resultan 458 mil muertes.

Cada año aparecen 1,38 millones de casos, y de ellos resultan 458 mil muertes. Sin embargo, y afortunadamente, con la detección temprana como medida principal, es un cáncer que se puede curar.

Para que todas las mujeres nos concienticemos acerca de la importancia de la prevención de esta enfermedad, la Organización Mundial de la Salud (OMS) ha declarado a octubre como el Mes de la sensibilización sobre el cáncer de mama.

Octubre, mes de la sensibilización sobre el cáncer de mama

Octubre es el mes que la OMS ha elegido para celebrar en todo el mundo la lucha contra el cáncer de mama. El objetivo es fomentar la sensibilización acerca de este cáncer y destacar la importancia de la detección precoz, así como también dar más atención a los programas de salud pública, tratamientos ycuidados paliativos de las pacientes y sus familiares.

Hay que tener en cuenta que la mayoría de las muertes por cáncer de mama se producen en los países de bajos ingresos, donde hay dificultades para acceder a los servicios de la salud y todavía falta de sensibilización e información sobre el papel de la detección temprana en la prevención de la enfermedad.

De esta forma, la OMS se propone un plan integral de lucha contra el cáncer de mama.

Prevenir el cáncer de mama

Como aun se desconocen las causas exactas del cáncer, la prevención y la detección temprana son esenciales para evitar la enfermedad. Aquí compartimos algunas claves para evitar el cáncer de mama.

1. ¡Examínate!

¿Sabías que más del 90% de los casos de cáncer de mama son detectados por las propias mujeres? Debes estar atenta a los cambios de tu cuerpo. Al menos una vez al mes, hazte un auto examen de mamas mediante el tacto. Si encuentras una anomalía o un bulto, acude enseguida al médico: no tengas miedo, la detección temprana es la mejor cura de cualquier enfermedad.

En este vídeo puedes aprender cómo hacer un auto examen de mamas:

2. Házte la mamografía anual

Los chequeos médicos también son muy importantes. A partir de los 40 años, es esencial que toda mujerse haga una mamografía anual para mantener su salud bajo control. La mamografía es un examen que permite detectar si hay tumor.

3. Ten una alimentación sana

La alimentación influye en nuestra salud, y hace la diferencia en la prevención del cáncer de mama y muchas otras enfermedades. Para mantener tu organismo fuerte y saludable, trata de comer más frutas y verduras, bebe mucha agua, limita el consumo de grasas y evita el alcohol y el cigarrillo. Dicen que ciertosalimentos como la linaza, las nueces de Brasil, el ajo, granadas, vegetales verdes, el salmón y el té verde ayudan puntualmente a evitar el cáncer de mama.

4. ¡Haz ejercicio!

Trata de encontrar un tiempo para ti en tu rutina para un poco de actividad física. El ejercicio es fundamental para la salud, mejora nuestra calidad de vida y ayuda a prevenir el cáncer. Intenta al menos caminar unos 20 minutos tres veces a la semana.

5. Cuida tu peso

Seguir una alimentación sana y equilibrada, y hacer algo de ejercicio a la semana, es importante para mantener un peso estable y saludable. Está comprobado que las mujeres con sobrepeso tienen más posibilidades de desarrollar cáncer de mama, así que cuida tu peso.

Luchemos juntas contra el cáncer de mama. ¡Podemos ganarle!

FUENTE | ELPERIODICOVENEZOLANO.COM | @PERIODICOVZLANO

Sonreír ante una cámara es hoy un acto reflejo y casi hasta una obligación pedida por el fotógrafo. Pero no siempre fue así. Un vistazo a un álbum antiguo y no hay asomo de una risa, ni siquiera estiran tímidamente los labios. Todos serios, mortalmente graves. ¿Por qué nadie sonreía en los retratos? ¿Cuándo empezamos a alegrarnos delante de un objetivo?

Las razones son básicamente dos: técnica y, sobre todo, moral. Al comienzo de la era de la fotografía, en el siglo XIX, los retratados debían pasar un largo tiempo hasta que el daguerrotipo era capaz de captar la imagen, al menos diez minutos para recoger la luz. Imposible mantener un gesto forzado durante tanto tiempo sin que el resultado fuera un borrón. De hecho, en ocasiones contaban con reposacabezas para evitar el entumecimiento muscular.

Las razones técnicas no invitaban entonces a la alegría, pero los retratados tampoco habrían esbozado ningún síntoma de alborozo aunque la tecnología hubiera sido más rápida. El motivo principal para no sonreír delante de una cámara era moral. La sonrisa era vista tradicionalmente en occidente como un gesto infantil y principalmente desdeñoso. La cultura artística europea mostraba que la risa estaba reservada para los locos, los borrachos, los niños, la gente del espectáculo y las prostitutas.

La literatura al respecto es abundante. El escritor Mark Twain, según recoge el artista Nicholas Jeeves en un artículo publicado en The Public Domain Review, dejó anotado: «Una fotografía es un documento demasiado importante, y no hay nada que lo dañe más y lo estropee que una tonta, estúpida sonrisa grabada para la posteridad». Los retratos fotográficos, entonces caros, estaban reservados a personalidades o gente pudiente, preocupadas en ofrecer una imagen responsable de sí mismos. Como anotó el escritor Charles Dickens: «La sonrisa es para las damas y caballeros a los que no les importa parecer inteligentes»

El historiador francés Colin Jones, estudioso de la evolución de la sonrisa, sostiene que en las artes plásticas se pensaba que la mejor forma de captar el carácter era el reposo. La esencia del individuo no se podía expresar con una emoción fugaz o fingida. Y también está la dificultad del retratista para acertar con el matiz de la sonrisa en un retrato: evitar que resulte una mueca irónica, una burla, mostrar suficiencia… Demasiados tonos evitables con un gesto adusto natural.

Los primeros retratos a mediados del siglo XIX eran sucesores directos de está visión sobre la imagen propia. Y, salvo raras excepciones, se mantuvo así durante toda la centuria y hasta bien entrado el siglo XX. Hasta que, una vez más, Hollywood invirtió la tendencia con sus películas y las sesiones fotográficas de los actores recogidas en revistas con alcance mundial. La eclosión del cine americano, la popularidad de las estrellas, su imagen siempre alegre y despreocupada influyó en la forma de posar ante la cámara. Los dientes comenzaron a asomar delante del objetivo y se extendieron como una feliz plaga, alimentada por la facilidad técnica para captar los instantes, cada vez con mayor rapidez y en mayor número.

Ni siquiera las personalidades tienen ya necesidad de mostrar un porte firme en cada instantánea. Ahora son habituales las sesiones de fotos humanizadoras desde presidentes a casas reales. El ideal del individuo se forja para la posteridad en todo el rango emocional que recogen las imágenes en su conjunto. Aunque, como explica el historiador Colins, la cuestión no afecta a culturas menos occidentalizadas. Allí, donde la sonrisa no está tan valorada socialmente, el revelado sigue siendo de caras tímidas o directamente serias, como en cualquier fotografía antigua.

FUENTE | CORREO DEL ORINOCO | YVKE MUNDIAL

6 Técnicas de Enseñanza que NO Conocías:

1. Flipped Classroom (Clase invertida): Esta técnica de enseñanza consiste básicamente en que los alumnos estudien y preparen la lección con anterioridad a la clase. De esta manera, la clase en cuestión se convierte en algo mucho más dinámico y un entorno en el que profundizar sobre el tema de estudio. Los alumnos vienen de casa con los conceptos básicos asimilados, por lo que la clase puede dedicarse a resolver dudas e ir más allá en los temas por los que los alumnos sientan mayor curiosidad.

El concepto de “clase invertida” (flipped classroom) compagina muy bien con las herramientas de ExamTime. Con ExamTime es muy fácil compartir recursos con un Grupo, en este caso la clase, lo que permite a los alumnos estudiar esos recursos desde casa y preparar la próxima clase.

2. Design Thinking (El método del Caso): Esta técnica se basa en usar casos reales y resolverlos en grupo a través del análisis, brainstorming, innovación e ideas creativas. Aunque el “design thinking” es un método estructurado, en la práctica resulta bastante desordenado, ya que se tratan problemas reales sobre los que en la mayoría de las ocasiones no hay información suficiente e incluso puede ser que la conclusión sea que no existe una solución posible. Sin embargo, el método del caso prepara a los alumnos para el mundo real y despierta su curiosidad, capacidad de análisis y creatividad. Esta técnica se usa a menudo en los populares MBA o Másters para analizar casos reales vividos por empresas en el pasado.

3. Autoaprendizaje: La curiosidad es el principal motor del aprendizaje. Como principio básico del aprendizaje, no tiene mucho sentido obligar a los alumnos a memorizar un texto para que lo olviden 2 días después del examen. La clave es dejar que los alumnos se centren en el área que más les interese para explorarla y aprender sobre ella.

Un perfecto ejemplo de técnicas de enseñanza basadas en el autoaprendizaje es el relatado por Sugata Mitra en la conferencia TED (subtítulos en español). En una serie de experimentos en Nueva Delhi, Sudáfrica e Italia, el investigador en educación Sugata Mitra proporcionó a los niños acceso auto-supervisado a la web. Los resultados que obtuvo podrían revolucionar la forma en la que pensamos acerca de la enseñanza. Los niños, que hasta ese momento no sabían ni lo que era internet, fueron capaces de auto-formarse en múltiples temas con una facilidad inesperada.

Una manera más cercana de explorar la técnica del autoaprendizaje puede ser haciendo uso de los Mapas Mentales. Con ellos, el profesor puede iniciar un proceso de pensamiento escribiendo una palabra en el nodo central de un mapa o proponer un tema principal y dejar que los alumnos desarrollen sus propias ideas a partir de él. Así, por ejemplo, si el tema central es el Cuerpo Humano, algunos pueden crear Mapas Mentales sobre los Sistemas y Aparatos, otros sobre los Huesos y otros sobre Enfermedades que afectan al cuerpo humano. Posteriormente los alumnos serían evaluados según los mapas mentales que han creado y podrían colaborar entre ellos para mejorarlos.

4. Juegos: Aprender a través del uso de juegos es un método que ya ha sido explorado por algunos docentes, principalmente en la educación primaria y preescolar. Mediante el uso de juegos, el alumno aprende sin prácticamente darse cuenta. Por eso, aprender jugando es una técnica de aprendizaje que puede ser muy efectiva a cualquier edad, siendo asimismo útil para mantener al estudiante motivado. El profesor deberá diseñar proyectos que sean adecuados para sus alumnos, teniendo en cuenta su edad y conocimientos, a la vez que los hace suficientemente atractivos como para aportar una motivación extra. Una idea puede ser animar a los estudiantes a crear Tests con preguntas relacionadas con un tema determinado y animarles a retar a sus compañeros a realizarlos para ver quién obtiene una puntuación más alta. De esta manera, los alumnos disfrutarán de la competición con sus compañeros por alcanzar la puntuación más alta.

5. Social Media: Una variante del punto anterior son las técnicas de enseñanza basadas en las redes sociales. De esta manera, los alumnos, que hoy en día pasan el día en las redes sociales, tendrán una motivación extra para aprender. Las formas que puede tomar este método de aprendizaje son muy variadas, ya que existen cientos de redes sociales y posibilidades. Un buen ejemplo es la iniciativa llevada a cabo por la academia brasileña de idiomas “Red Ballon”, que animó a sus alumnos a revisar los tweets de sus artistas favoritos y corregir los errores gramaticales que cometían estos para reforzar su aprendizaje del inglés.

6. Técnica Exegética o de Lectura Comentada: Se basa en la lectura de textos relacionados con el tema o autor a tratar. Esta técnica tiene como objetivo que el alumno capte y comprenda lo que el autor quiere comunicar y que busque el sentido implícito en el texto, así como sus circunstancias. Cada alumno puede basarse en el tema que más le interese para indagar sobre él. De nuevo, las nuevas tecnologías nos proporcionan una gran ventaja en el uso de esta técnica, ya que nos permiten el acceso a una cantidad ilimitada de información.

Como véis, existen innumerables técnicas de enseñanza que pueden ayudaros a conectar mejor con vuestros alumnos en los tiempos que corren. ¿Conocíais estas técnicas de enseñanza? ¿Añadiríais alguna otra?

FUENTE | EXAMTIME.ES | AUGUST

Establecidas en forma de “surround camera area” que podría recordar al efecto bullet time de la película “Matrix”, aquí los modelos posan para que las 60 cámaras disparen a la vez. Tras la sesión de fotos, todo el contenido es importado al ordenador y el fotógrafo ya edita el modelo en 3D con ZBrush para conseguir remarcar todos los pequeños detalles que en la captura se han perdido, como pueden ser pequeñas arrugas de expresión o de forma contraria, suavizar la piel de una próxima novia. Tras la captura y la edición, el modelo pasa a la impresora 3D, retocar el resultado y la figura está lista.

Esta empresa no sólo se dedica a la creación de retratos 3D, sino que también ofrecen un servicio de escaneado y preservación digital, por lo que este tipo de empresas no trabajan únicamente con personas, sino también con instituciones. En el vídeo que os dejo a continuación podemos ver, entre otras cosas, un gran ejemplo de un Perro de Fú que ha sido fotografiado y replicado.

Personalmente, este tipo de sistemas tan innovadores me sorprenden cada vez más. El otro día hablábamos de la cámara Fuel 3D y yo me preguntaba si los fotógrafos del futuro serán también fotógrafos 3D —teniendo que aprender a manejar programas de 3D—, y viendo a Captured Dimensions, todo da a pensar que un fotógrafo que no tenga una estación de impresión 3D en un futuro no podrá trabajar como tal. Una pequeña duda que tengo es si tal vez cinco Fuel 3D’s en vez de sesenta DSLR’s darían un resultado similar.

Si la fotografía supuso una revolución por el poder de capturar el instante, ahora y en los próximos años será famosa por sacar de las dos dimensiones a las personas para poder tener encima de la estantería ya no una foto de familia, sino, tal vez, una escultura de familia.

FUENTE | ALTFOTO | DANIEL JIMÉNEZ

En artículos anteriores les he mencionado los conceptos de encuadre y sus tipos básicos, luego en otro artículo les comenté acerca de los distintos planos que se pueden emplear en fotografía y ahora como flujo natural de los conceptos les quiero traer una sencilla recopilación de los ángulos que empleamos en fotografía.

El ángulo de una fotografía es la inclinación con respecto al suelo, de una línea imaginaria que se genera al fotografiar a un sujeto. Repasemos ahora los distintos ángulos que podemos emplear al realizar una captura determinada:

1. A Nivel o Normal: Como su mismo nombre lo indica, es cuando realizamos la fotografía desde el mismo nivel del sujeto al que fotografiamos. Es la posición más natural al momento de hacer una fotografía y la más común. Siendo un poco más explícitos, se puede decir que la línea entre el sujeto y nuestra cámara, es paralela al suelo. En algunas situaciones, como por ejemplo una mascota o un niño, para lograr este tipo de angulo es necesario agacharse para estar al nivel del sujeto. Generalmente sirve para mostrar o describir algo de manera natural u objetiva y transmite una sensación de estabilidad y tranquilidad, por ser la forma natural en que observamos el mundo.
   

2. En Picado: En este caso, se realiza la toma de la escena desde una posición más alta que el objeto fotografiado, de arriba hacia abajo. En este tipo de fotografía la perspectiva que se produce produje que el sujeto se vea disminuido en tamaño. En general, este ángulo se usa como recurso compositivo para restar importancia o transmitir una sensación de debilidad o humillación. En casos de paisajes permite incrementar la sensación de profundidad. Muy usado en fotografía de niños y fotografía documental para mostrar la vulnerabilidad del sujeto.
   

3. En Contrapicado: Obviamente es opuesto al anterior, en este caso la fotografía se realiza desde un lugar más bajo que el motivo fotografiado, quedando este más alto que la cámara. La perspectiva que se genera, muestra al engrandecido visualmente, con lo que selogra transmitir mayor importancia y una posición dominante en relación al espectador. Básicamente se emplea, para fotografía arquitectónica y para deportes extremos, pero esto no es una regla fija, y también se puede emplear en otros casos logrando efectos creativos muy interesantes.
   

4. En Cenital: Podríamos catalogarlo como un caso específico del ángulo de picado, donde lo llevamos a su punto más extremo, y es justamente lo que sucede. La imagen se toma desde en un ángulo completamente perpendicular, de arriba hacia abajo, con respecto al suelo. Produce escena sin perspectiva, que puede resultar bastante descriptiva en el caso de pequeños objetos, pero generalmente es inusual aunque interesante el resultado obtenido. No es muy común emplear este tipo de ángulo pero en ciertos casos como recurso compositivo puede servir para explorar la creatividad.
   

5. En Nadir: Cuando el ángulo en contrapicado lo llevamos a su punto extremo, obtenemos un ángulo de tipo nadir. Su uso incrementa la sensación de contrapicado, y llega a transmitir una sensación abrumadora de grandeza ante lo que el espectador observa. Ideal para fotografía de altos edificios los cuales por sus mismas geometrías añaden gran profundidad a la escena.
   

La elección de un tipo de ángulo u otro influye directamente en la percepción subjetiva del espectador respecto a una imagen. Por lo tanto, emplear uno u otro produce un efecto distinto y se deben realizar conscientemente. Cabe destacar que el uso de los ángulos listados anteriormente no se reduce a los ejemplos y situaciones que allí se mencionan, recuerden que una vez que conozcamos las reglas de la fotografía, entonces podemos poner en marcha la creatividad asumiendo que la mejor regla es la que dice que no hay reglas. En fin, siempre es útil experimentar y observar los resultados obtenidos. Como consejo personal les digo que siempre que estemos haciendo una toma intentemos hacer la captura desde distintos ángulos, ya que eso nos permitirá salirnos de la rutina.

En resumen:

• Ángulo a nivel: A la misma altura del sujeto.
• Ángulo en picado: Desde una altura superior al sujeto.
• Ángulo en contrapicado: De abajo hacia arriba.
• Ángulo en cenital: En posición perpendicular con respecto al suelo
• Ángulo en nadir: En línea recta hacia arriba.

Fotos: Yu-Cheng Hsiao, Alex Campos, Giorgio Violino, Antonio Rull, Roman Pavlyuk

FUENTE | ALTFOTO | LENIN LUNA

En los videojuegos mucho ha avanzado. Tenemos mundos inmensos, modelados realistas y expresiones faciales que parecen humanas. Juegos como GTA 4 con su mod iCEnhancer nos han traído ciudades que parecen reales.L.A. Noire avanzó tanto con las expresiones faciales que permitía avanzar en el juego leyendo la cara de los personajes para saber si mentían o decían la verdad. El avance que tenemos hoy promete progresar en el realismo para hacer que los videojuegos cada vez más parezcan una película. TressFX Hair hará que por fin el pelo de nuestros personajes deje de ser de cartón.

¿Cual es el problema del pelo? Por mucho que avancen las físicas y modelados el pelo siempre se ver como en bloque, acartonado. Muchos diseñadores han optado por introducir cosas en el pelo como gorros o atuendos que hacen que el pelo quede disimulado. Y es que el problema que tiene el pelo a la hora de simularlo es que es muy complejo. Para conseguir tener una cabeza con pelo realista se tienen que dibujar miles de hilos o pelos semitransparentes. Cada uno de ellos tiene una sombra independiente y requiere de anti-aliasing. A toda esta complejidad le tenemos que sumar los cálculos necesarios para hacer que el pelo vaya sincronizado y se mueva a la vez que el movimiento del modelo.

Para conseguir esto AMD se ha unido a Crystal Dynamics, los desarrolladores del nuevo Tomb Raider para implementar TressFX Hair en un entorno jugable y además funcionará con cualquier tarjeta gráfica que soporte DirectX 11. Según la nota de prensa la tecnología de DirectX 11:

Trata a cada pelo como una cadena con una docena de vínculos, lo que permite que la gravedad, el viento y el movimiento de la cabeza muevan el pelo de Lara de un modo realista. También se aplica detección de colisiones para asegurar que los pelos no se sobrepasan unos a otros o que no traspasen superficies sólidas o la cabeza de Lara. Finalmente se hace que los pelos vuelvan a la posición inicial después de haberse movido por una fuerza externa.

De momento lo que tenemos son una serie de fotografías del juego con y sin la técnica aplicada y el cambio es bastante espectacular. Veremos si en un futuro publican un video explicando la tecnología. En cuanto a máquinas que lo soportarán, hay que confiar en que esta tecnología podrá pasar a las consolas. Se supone que la nueva Xbox soportará DirectX 11 con lo que no habría problemas para usar esta tecnología. De la PS4 hay que esperar que también lo soporte gracias al uso de un chip AMD.

FUENTE | ALT1040 | OSCAR ROIG

En esta ocasión vamos a ver algunos de los filtros que podemos aplicar al momento de buscar algún tipo de imagen, para que nuestros resultados sean lo más preciso posible.

Primero que nada debemos hacer click en la opción herramientas avanzadas que se encuentra justo debajo del cuadro de búsquedas de Google Imágenes.

Como realizar búsquedas específicas en Google Imágenes

Al seleccionar dicha opción se desplegaran debajo de la misma, una serie de filtros, los cuales utilizaremos en nuestra búsqueda.

1) Buscar imágenes por fecha: El primer filtro nos permitirá buscar imágenes por fechas, tendiendo la posibilidad de obtener así, las imágenes más actuales del tema que estamos buscando. Esto podemos aplicarlo al momento de buscar imágenes del algún evento anual, noticias, etc.

2) Buscar por tamaño y/o color: Los filtros de tamaño y color nos permiten buscar imágenes por tamaño exacto o aproximado, y por el color predominante de la imagen. Este último también tiene la opción de buscar a todo color y en blanco y negro.

3) Buscar un tipo determinado de imágenes: De este modo podremos especificar qué clase de imágenes queremos encontrar, pueden ser fotografías, retratos, imágenes prediseñadas o lineales, tal como se ve aquí abajo, en blanco y negro.

4) Búsqueda por tema: Este filtro se encarga de arrojarnos resultados divididos por temas, perritos tiernos, bebes, lindos, enamorados, cachorritos, etc. todos agrupados en distintas categorías para que podamos encontrar la imagen que deseamos sin necesidad de recorrer toda la página de resultados.

5) Por tipo de archivo: Si bien esta opción no se encuentra entre los filtros visibles, podemos hacerla manualmente desde el cuadro de búsquedas escribiendo lo siguiente, “perritos filetype: (extensión de archivo)”, la extensión puede ser JPG, PNG, GIF,BMP, etc., tal cual se ve en la imagen de aquí abajo.

Por último, si alguno de ustedes extraña el antiguo diseño de Google Imágenes, pueden volver a tenerlo de una forma muy pero muy simple. Solo deben dirigirse al final de la página de resultados y seleccionar cambiar a la versión básica.

FUENTE | BLOG AL PASO | BLOGALPASO

La línea del horizonte puede estar incluso ubicada fuera de la toma, pero es importante que esté. Mientras más cercana está al centro de la composición, más sensación de profundidad tendrán las imágenes. Si la línea del horizonte está completamente centrada, entonces no tendremos ya esta profundidad, y nos estaremos manejando de vuelta en dos dimensiones, algo no recomendable. La perspectiva se puede ajustar de esta forma para poder obtener los efectos que estamos buscando.

Imaginemos una carretera. Desde el punto en el que estamos parados, consume prácticamente todo nuestro campo de visión. Pero va disminuyendo hacia el horizonte, quedando como un punto minúsculo a la distancia. Así es como funciona la perspectiva.

El uso de la perspectiva es fundamental en, por ejemplo, la fotografía de paisajes, pero tiene que ser considerado también en todas las tomas que hacemos. Por ejemplo, cuando fotografiamos un paisaje es preferible usar una apertura pequeña con un alto valor f, para crear la mayor profundidad de campo posible, y tener una enorme perspectiva. Podemos jugar también con el enfoque, que en estas condiciones es algo complicado de mantener en el cuadro completo, y puede ayudar a crear un efecto fantástico. Si, por el contrario, estamos tomando una fotografía de un objeto grande, necesitaremos más profundidad de campo. La mejor forma de hacerlo es poner algo de distancia entre el objeto y la cámara. Por otra parte, si el objeto es pequeño, como en la fotografía macro, tendremos que optar por una profundidad de campo más superficial.

Lo importante en la composición con perspectiva es experimentar con diferentes opcionespara buscar la profundidad que necesitamos. No hay una receta que funcione en todas las oportunidades. Si dicha receta existiera, no tardaríamos mucho en romperla en mil pedazos para encontrar algo más interesante y lúdico. Una vez que comprendemos la importancia de la perspectiva, podemos avanzar más y más para crear composiciones excelentes.

Cuando estamos haciendo una toma, por otra parte, tenemos cinco ángulos a través de los cuales podemos jugar con la perspectiva de una toma.

1. Ángulo normal: se establece cuando la cámara está al mismo nivel que los ojos del sujeto a fotografiar, o en línea recta al paisaje. Es como trazar una línea imaginaria entre el sujeto y la cámara, que se encuentra de forma paralela. El horizonte se encuentra en línea con la cámara.
2. Ángulo picado: en este caso estaremos ubicando la cámara por encima del sujeto a fotografiar, de los ojos en el caso de las personas, o superior al nivel de nuestra altura en el caso de los paisajes. Así, ubicamos al horizonte en la mitad superior del encuadre. Se usa generalmente cuando fotografiamos objetos pequeños.
3. Ángulo cenital: en este sentido, estamos colocando la cámara completamente por encima del sujeto, en línea vertical por encima de la persona o desde la azotea de un edificio, por ejemplo.
4. Ángulo contrapicado: con este ángulo colocamos la cámara por debajo de la línea de horizonte, o por debajo de los ojos del sujeto, para colocar el horizonte en la mitad inferior del encuadre. Da una sensación de grandeza al sujeto, por lo que muchas veces se usa en retratos de personalidades importantes.
5. Ángulo nadir: usado en su gran mayoría en la fotografía de arquitectura, es el opuesto al ángulo cenital, poniendo la cámara por debajo del sujeto a fotografiar.

Con estos cinco ángulos básicos, podemos comenzar a experimentar de diferentes formas con la perspectiva. Tomamos la línea de horizonte y partimos de allí; la imaginación es el límite.

FUENTE | ALTFOTO | BÁRBARA PAVAN