Como cada año por estas fechas, Pantone anuncia el Color del Año; la referencia mundial para el desarrollo de productos y en las decisiones de compra para múltiples industrias, incluyendo el diseño gráfico, el diseño industrial y por supuesto el diseño de moda y para el hogar.

Un púrpura fascinante, mágico, expresivo y exótico. Así es el PANTONE Orquídea Radiante 18-3224, color Pantone para 2014. El nuevo color Orquídea Radiante fomenta la expansión de la creatividad y la originalidad, algo cada vez más valorado en la sociedad actual.

En palabras de «El color Orquídea Radiante está compuesto de una encantadora armonía de colores fucsia y tonos púrpura y rosa, que inspiran confianza y emanan una gran alegría, amor y salud. Es un color púrpura cautivador, que te atrae con su seductor encanto», explica Leatrice Eiseman, directora ejecutiva de Pantone Color Institute. «El color Orquídea Radiante –dice– está compuesto de una encantadora armonía de colores fucsia y tonos púrpura y rosa, que inspiran confianza y emanan una gran alegría, amor y salud. Es un color púrpura cautivador, que te atrae con su seductor encanto».

PANTONE Orquídea Radiante: Color del Año 2014

Con la mirada atenta de los compradores, Orquídea Radiante impregnó las pasarelas de los desfiles de moda de primavera 2014, y ya se está abriendo paso en la alfombra roja. Dentro del diseño de moda, los modistos que aparecen en el Informe de Color PANTONE para la primavera 2014, incluyendo Emerson, de Jackie Fraser-Swan, Juicy Couture y Yoana Baraschi, están incorporando en sus colecciones de primavera Orquídea Radiante, así como variaciones de esta tonalidad para que tanto hombres como mujeres lo luzcan en la ropa y los accesorios el año que viene. El Orquídea Radiante y sus matices rosados se asocia a un aspecto saludable.

En cuanto a las combinaciones posibles, pantone apunta los siguientes: los colores verde oliva como los verde caza. Así mismo, ofrece un buen mix cuando se complementa con turquesa, verde azulado e incluso con ligeros amarillos.

De igual forma, este color vibrante es un acierto para darle vida a los colores neutros, como el gris, beige y marrón. Inspirador y audaz sin ser abrumador, Orquídea Radiante aporta energía a casi cualquier paleta de color y proporciona un elemento unificador para diversos espacios.

Acerca del Color del Año PANTONE

El proceso de selección del Color del Año es muy estricto y lleva su tiempo. Cada año, para llegar a dicha selección, Pantone rastrea cuidadosa y literalmente el mundo para buscar las influencias del color. Pueden venir de la industria del entretenimiento y las películas que están en producción, las colecciones de artes que viajan por todo el mundo, los nuevos artistas relevantes, los destinos turísticos populares y otras condiciones socio-económicas. Las influencias del color también pueden emanar de la tecnología, de la disponibilidad de nuevas texturas y efectos que impactan al color, e incluso próximos eventos deportivos que captan la atención de todo el mundo.

Desde hace más de una década, las declaraciones sobre el Color del Año de Pantone han influido en el desarrollo de producto y en las decisiones de compra para múltiples industrias, incluyendo la industria de la moda y del diseño industrial y del hogar. Los colores de años pasados son:

· PANTONE 17-5641 Esmeralda (2013)
· PANTONE 17-1463 Mandarina Tango (2012)
· PANTONE 18-2120 Madreselva (2011)
· PANTONE 15-5519 Turquesa (2010)
· PANTONE 14-0848 Mimosa (2009)
· PANTONE 18-3943 Blue Iris (2008)
· PANTONE 19-1557 Chili Pepper (2007)
· PANTONE 13-1106 Sand Dollar (2006)
· PANTONE 15-5217 Blue Turquoise (2005)
· PANTONE 17-1456 Tigerlily (2004)
· PANTONE 14-4811 Aqua Sky (2003)
· PANTONE 19-1664 True Red (2002)
· PANTONE 17-2031 Fuchsia Rose (2001)
· PANTONE 15-4020 Cerulean (2000)
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+info: www.pantone.com

FUENTE  | GRAFFICA.INFO | GRAFFICA

Hay quien se propone ir más al gimnasio, otros intentar conseguir metas laborales y nosotros, como buenos fotógrafos, también tenemos distinto objetivos que cumplir a lo largo del año. En este artículo os proponemos algunas de las plantillas más usuales de internet para sacudirnos la pereza de encima. ¿Quieres conseguir fotografías tan buenas como las que ver por Flickr, 500px o DeviantArt?, entonces cojamos la cámara, despeguémonos de la pantalla y salgamos a hacer buenas fotografías.

’365 days project’

Un clásico entre los clásicos, el tedioso proyecto 365. No conozco a nadie que haya empezado y acabado un 365 como Dios manda, que es haciendo una fotografía al día. Personalmente me parece uno de los peores proyectos a realizar, porque a no ser que uno tenga mucho tiempo libre o no tenga dos días iguales, las fotografías carecerán de un sentido artístico más allá de la obligación de subir una fotografía en nuestra plataforma preferida. La frustración es un elemento importante en este tipo de proyectos tan prolíficos, por lo que yo lo entiendo como una forma de presionarte a hacer fotografías, aunque no sea una vez al día.

’52 weeks project’

El ’52 weeks’ es un poco menos conocido, aunque creo que es más efectivo que el 365. Se trata de elaborar una fotografía de calidad por semana, reduciendo agobios, presiones y frustración. El papel de la fotografía se trata más que en ser prolífico, en tener imágenes con un valor añadido dado por el tiempo. 52 fotografías, por otra parte, es un número mucho mejor que 365 con el que repasar un año. Me parece el mejor proyecto para el que quiera meterse algo de presión para fotografiar sin agobiarse en demasía.

‘Abecedario’

El ‘Abecedario’ es un proyecto de duración personalizada, en el que tendremos que completar el abecedario con fotografías. Si la primera es la letra A, podemos hacerle una fotografía a un árbol, a un alambre, o un alma, el grado de complejidad lo escogemos nosotros. La idea es que la fotografía, ya que no tiene un ‘límite de tiempo’, sea de calidad, no simplemente una simple foto a un objeto.

‘Colores y/o formas’

En este proyecto intentamos más que limitarnos por tiempo o letras, por formas. Es decir, nos planificamos una serie de objetos con colores y formas, con la finalidad de salir a la calle y fotografiar un ‘círculo rojo’, un ‘triángulo amarillo’, un ‘rombo verde’ o un ‘cuadrado azul’. Tengamos en cuenta que tampoco debemos dejarnos llevar por las formas convencionales, y que si nos planificamos un ‘cuadrado’, tal vez una composición que recuerde a un cuadrado también nos sirva.

’100 strangers’

El proyecto ’100 strangers’ es muy interesante para aquellos interesados en la fotografía callejera. Este proyecto se basa en tomar 100 fotografías a personas desconocidas, descubriendo tal vez a nuestra musa/o. Podemos también dividirlo y hacer ’50 strangers’ para que se nos quede en una fotografía aproximadamente por semana. El resultado es interesante, aunque caeremos fácilmente en las composiciones y los retratos fáciles si optamos por realizar fotografías con un mismo punto de vista y ángulo. Lo ideal es contar con un reflector o un flash para realizar pruebas con la luz, consiguiendo mejores resultados.

Otros proyectos

Otros no se proponen proyectos con los que realizar fotografías, sino que se ponen metas profesionales: hacer una sesión de modelos, vender alguna fotografía, aprender a utilizar los flashes fuera de zapata, disparar un año con objetivos fijos, utilizar solo analógico… las posibilidades son ilimitadas dependiendo de tus aspiraciones como fotógrafo, por lo que no os atengáis solamente a uno de los divertidos proyectos que os damos aquí arriba, ya que podemos proponernos también avanzar como profesionales de la imagen.

Y tú, ¿cuáles son tus propósitos fotográficos para este año?, ¡compártelas en los comentarios y en Twitter con #PropositoFotografico y no olvides mencionar a @ALTFoto!

FUENTE | ALTFOTO | DANIEL JIMÉNEZ

Hoy os presentamos un curioso y agradable proyecto,Cardboard Box Office, que reproduce con cajas de cartón, objetos cotidianos y mucha creatividad escenas de famosa películas con el pequeño niño como protagonista. Los padres cuentan que se acumularon tras una mudanza un montón de cajas de cartón y que con la llegada de su hijo su vida social se alteró totalmente así que buscaron una forma de divertirse los fines de semana.

Y así crearon este proyecto con fotografías que suben a su web y a su página de Facebook donde se pueden seguir sus aventuras saltando de película en película.

Buscan películas irónicas, con trajes o vehículos representativos que puedan reproducir y llenar la imagen. Y para ello, las películas de acción, aventura o terror son perfectas. Aceptan sugerencias de su seguidores, pero siguen unas reglas para mantener la estética “casera” del proyecto. Por ejemplo pueden utilizar Photoshop para mejorar la luz y el color, pero no para añadir o manipular la imagen. Lo que se ve en las fotografías ha sido creado para reproducir la película. A veces utilizan angulaciones y perspectivas forzadas para conseguir diferentes efectos de alturas y escalas.

Hacen las fotos con una Nikon D80, sin trípode, pero utilizando lo que tienen a mano para suplir su falta como libros, mesas, estanterías… Orson, el niño con nombre tan cinematográfico, parece cooperar durante las sesiones fotográficas, que tratan de no alargar demasiado. Utilizan un temporizador con el que realizan varios disparos durante 5 minutos y sesión completada.

Tanto en su web como en su página de Facebook podéis ver muchas más fotos y películas con sus títulos. Yo ya soy su fiel seguidora, que están genial: Apollo, Jurasic Park, Alien, Terminator y un montón de películas más adaptadas por esta creativa familia que podéis disfrutar y descubrir.

FUENTE | ALTFOTO | CARMEN PORTEIRO

Ahora que “Selfie” es la palabra del año, según el Oxford English Dictionary, la popularidad de las mismas (es decir, fotografías que capturamos nosotros de, bueno, nosotros), la popularidad de auto-retratarnos probablemente vaya en aumento. Así que, por qué no evitar salir terriblemente mal en aquellas fotos e intentar estos tips para conseguir mejores resultados? Ambos tips vienen de Peter Hurley, reconocido fotógrafo / retratista que está en la industria hace más de 10 años:

Tip 1: Sacar la Mandíbula 

Es un tip sencillo: en lugar de enderezarnos lo más posible en una foto-retrato, lo que hacemos, es “sacar” el cuello hacia adelante, y un poco hacia abajo, para acentuar la línea de la mandíbula. Al ser una foto de frente, esta posición, que puede parecer poco natural de lado, se ve sumamente bien en un retrato.

Vean el video para ver una demostración, pero aquí los dejo con un par de ejemplos:

Antes y después:

Video:

Tip 2: Se trata de hacer “Squinching”!

Squinching es el acto de “achicar” un poco los ojos. No de abrirlos al máximo, sino de empequeñecerlos un poco para, según Hurley, “proyectar confianza y seguridad, en lugar de miedo e inseguridad que se muestran cuando uno abre demasiado los ojos”.

Si quieren tips para conseguir ese “look” , no se pierdan el video

Ejemplos:

Video:

Así que ya saben! A ponerlos en práctica la próxima vez que retraten a personas/fotografíen a otras personas, o simplemente se tomen un selfie!

FUENTE | LA AREPA EN LINEA | GUILLERMO MARRERO

Comparativa procesados

Para tener un estilo en fotografía es fundamental tener un procesado que se adapte a tu manera de entender la imagen desde un punto de vista técnico. No es lo mismo trabajar con un móvil que con una cámara de formato medio, por poner un ejemplo exagerado. Después de muchos años probando diferentes técnicas, la que más me gusta es la de los objetos inteligentes, un as en la manga de los programas de Adobe que marca un antes y un después en los flujos de trabajo por la enorme calidad que ofrece.

Pero que sea tan bueno no quiere decir que convenga a tu estilo, lector. Lo mejor en estos casos es investigar hasta que encontremos algo que comunique y muestre lo que nosotros, como fotógrafos, queremos. Y nos sirva para nuestros propósitos finales. Por poner un ejemplo típico, Cartier Bresson se sintió liberado cuando tuvo entre sus manos una Leica, algo tan pequeño que le permitía ejercer su estilo. O si nos vamos a los flujos de trabajo, que es de lo que trata este artículo, Ansel Adams no paró hasta que dio forma a su famoso sistema de zonas. Hasta entonces no estaba feliz con su trabajo. O Salgado no estaba conforme hasta que encontró su laboratorio en París; o Cristina García Rodero a su Castro Prieto…

La fotografía elegida está hecha en la peña de Francia, uno de los lugares más impresionantes de Salamanca. En este caso, la imagen la tengo que ver en su conjunto y procurar ajustarla bien para que todas las zonas se vean correctamente o, mejor dicho, se muestren como yo las vi. El cielo lo quiero más dramático. Quiero más contraste en general y tengo claro que no quiero sacar detalle de la parte interior del soportal.

Para que veáis por dónde voy, revelaré una fotografía con tres flujos de trabajo, los más populares entre los fotógrafos:

• En primer lugar, revelaré única y exclusivamente en Adobe Camera RAW, siguiendo lo que hago todos los fines de semana en ALTFoto.
• En segundo lugar, trabajaré por zonas, con las populares y eficaces capas de ajuste de cualquier tipo y condición.
• Y, por último, los objetos inteligentes de Adobe. Este experimento servirá para ver cómo según el flujo de trabajo escogido la fotografía cambia. No haré grandes procesados, tan sólo los ajustes necesarios.

Veréis cómo cambiará la fotografía.

Adobe Camera RAW

Es mi procesado favorito. Según va pasando el tiempo no sé si estoy más vago, tengo menos tiempo, o juzgo que el tiempo que paso delante del ordenador tiene que ser el justo. Las buenas fotografías salen de la edición, y luego sólo hay que darles un pequeño empujón para que muestren toda su magia.

Este flujo de trabajo se basa en un revelado a fondo en el procesador de RAW de Photoshop o en el módulo Revelar de Adobe Lightroom. En las últimas versiones los resultados son tan asombrosos, que en la mayoría de los casos no hace falta nada más. Sólo hay que saber ajustar todos los parámetros que tenemos a nuestra disposición y una buena fotografía siempre quedará bien.

Procesado ACR

Así que arreglo la fotografía desde un punto de vista óptico en el panel Correcciones de lente y paso al panel Básico. donde hago los ajustes pertinentes para conseguir mi objetivo. Los parámetros los podéis ver en la fotografía.

Ajuste por zonas

Este procesado, que popularizó José María Mellado para el gran público en España, consiste en dividir la fotografía por zonas y a través de las capas de ajuste que podemos encontrar en Capa>Nueva capa de ajuste en Adobe Photoshop procesarlas de la misma forma que revelábamos los más viejos del lugar en el laboratorio, con luces y tapados.

Sólo hay que trabajar con cualquier herramienta de selección y aplicar un ajuste personalizado a cada zona. En cierta manera, es la continuación natural del anterior procesado, pero con un TIFF de 16 bits en vez de un archivo crudo.

Procesado por zonas

He de confesar que fue el método que me abrió los ojos ante el mundo digital, que creía invadido de herramientas para subexponer y sobrexponer. Me gustaba mucho y creo que es el revelado ideal para los que vienen del mundo químico. Es una forma lógica de ver una fotografía, por partes pero procurando que todas tengan sentido.

Objetos inteligentes

Los objetos inteligentes son el último grito en el mundo del revelado y lo que ha permitido que Adobe marque distancias con el resto de los reveladores. Muchos profesionales trabajan con Capture One, pero siempre echan de menos los OI.

Permiten volver siempre a la fuente original, el RAW, y ajustar el revelado por zonas siempre en el archivo original. Siempre mantienen el contenido original de la imagen por lo que facilitan la edición no destructiva.

Procesado OI

En este caso seguimos trabajando por zonas, pero en vez de usar las capas de ajuste, que entre otras cosas no permiten salvar píxeles quemados, lo hacemos con los ajustes en el mismo Adobe Camera RAW. La calidad técnica nunca se verá comprometida pues siempre partimos de la base.

Conclusión

Como vemos, con los ajustes básicos, cada revelado está en un punto totalmente distinto. Y lo más importante, todos válidos. Con un poco más de trabajo, podríamos igualar los tres, pero igual no es necesario. Cada uno tiene sus virtudes y sus defectos.

El trabajo de un fotógrafo es escoger el más apropiado para sus propósitos, y no dejarse llevar por las modas o por lo que haga la mayoría de la gente. Los tres métodos -podría haber puesto bastantes más- dan resultados diferentes. Los tres funcionan. El estilo del fotógrafo no se queda en el disparo, depende de la edición y como vemos, del revelado. Hay que quedarse con uno, pues así conseguiremos que reconozcan nuestro trabajo. ¿Cuál es el tuyo?

FUENTE | ALTFOTO | FERNANDO SÁNCHEZ FERNÁNDEZ

Bienvenidos a la serie documental “Fotógrafos indómitos”, el único programa documental en el que el fotógrafo encuentra un rincón en el que ser estudiado, en el que ser documentado y en el que llegamos a retratar las duras condiciones de vida de esta casta al margen del resto de la humanidad. Recordarán esta serie por otras entregas como “El fotógrafo indómito se dispone a cobrar decentemente por su trabajo”, o “El fotógrafo indómito y la cámara, una relación de amor”.

Hoy les traemos, en esta nueva serie “El fotógrafo indómito y las poses estúpidas —o no tan estúpidas— de caza”. En esta nueva serie, observaremos los hábitos y costumbres que el fotógrafo utiliza para guarecerse de sus víctimas, con el fin de conseguir su objetivo:FOTOGRAFIAR.

El fotógrafo es una raza que no entiende de límites, y mucho menos de límites físicos, no es inconveniente superar las barreras de la elasticidad humana o modificar la estructura del cuerpo humano para adoptar poses que podrían resquebrajar la columna vertebral de un humano corriente. Esta especie se oculta entre plantas, paredes o rocas, y jamás, repito, JAMÁS, le verás venir. Puedes huir, pero no esconderte. Les advertimos que BAJO NINGÚN CONCEPTO traten de emular las acciones aquí mostradas, por su propia seguridad.

En este primer caso, podemos observar al fotógrafo en una actitud de camuflaje activo impresionante. La hoja que ha utilizado es un arma de doble filo: le sirve para esconderse de sus víctimas y además para preservar su frondosa cabellera de los dañinos rayos solares…

El fotógrafo indómito en su más espectacular estado, cual tigre esperando la hora de cazar, el cuerpo y mente del individuo se forman uno solo para rebasar las expectativas de todo ser vivo en el planeta…

El fotógrafo no deja de ser un animal social, y como tal ayuda a sus congéneres. En esta inédita fotografía vemos a dos especímenes ayudándose a lograr esa ansiada fotografía perfecta, la que hará que Man Ray pase a ser un pelele de tres al cuarto y que otorgará a estos ejemplares la entrada a la Agencia Magnum…

Atención a este ejemplar de ‘fotografus reptilious’, una especie de fotógrafo que logra situar el objetivo en el suelo y que logra documentar todas sus fotografías desde la posición más baja permitida para una mayor impresión, desplazándose como una Bamba Negra en busca de su víctima…

Nuestro equipo documentó en una ocasión un ejemplar de fotógrafo no-identificable con todo su cuerpo al desnudo que logró dar caza a una presa. Esta es una fotografía que ha costado 3 años tomar y que pone sobre la mesa la intrincada anatomía de estos ejemplares que lleva años fascinando a biólogos…

En esta ocasión, estos ejemplares de ‘fotografus geniculumius’ adoptan una pose de observación del entorno. La característica más ejemplar de este fotógrafo son esas rodillas genéticamente modificadas a lo largo de los años de evolución y que permite a esta especie tomar fotografías a distintas alturas sin ningún esfuerzo…

Y por último, una especie antes no conocida, la ‘fotografus technologicus’, una especie a la vanguardia de la técnica, que no se conforma con los métodos tradicionales de caza. Un equipo de 5 personas consiguió sacar un retrato de uno, aunque por desgracia, solo se recuperó la cámara con el archivo. Todo nos hace indicar que en un futuro todas las especies confluirán en ésta, y serán reconocibles por esa cara de expresión profunda mirando al horizonte y en el uso de un utensilio situado por encima de los ojos que aún no hemos podido identificar qué es…

FUENTE | ALTFOTO | DANIEL JIMENEZ

Google ha añadido una característica nueva a Gmail para mejorar la gestión de los ficheros adjuntos en sus correos. A partir de ahora podremos ver previsualizaciones de todos los archivos adjuntos que nos envíen, con la posibilidad de poder guardarlos en Google Drive sin que haga falta esperar a la descarga del archivo a nuestro ordenador.

Estos adjuntos, al estar almacenados en Drive, podrán ser visualizados desde cualquier dispositivo (móvil, tableta…) y se podrán recuperar simplemente iniciando sesión con nuestra cuenta de Google desde cualquier terminal. Y al visualizarlos desde la web de Gmail podremos incluso buscar texto en documentos sin recurrir a otras webs o aplicaciones.

Google irá propagando esta novedad por todas las cuentas de Google a medida que pasen los días. Deberíamos tenerla activa en la gran mayoría de cuentas a finales de la semana que viene, así que toca coger algo de paciencia.

FUENTE | GENBETA | MIGUEL LÓPEZ

En muchos manuales y tutoriales de internet hablan de hacer unas cosas con curvas y otras con niveles, que si uno es más complicado que otro, o que las curvas son más completas que los niveles. En este artículo vamos a ver las diferencias reales entre una forma de distribuir los píxeles de una imagen y otra.

Para empezar, y para que quede claro desde el principio, los niveles son un resumen de las curvas, son una forma simplificada. Las curvas son la versión extendida de los niveles. Los niveles hacen lo que permiten las curvas, cosa que no ocurre a la inversa en su totalidad.

¿Y cuándo usamos un sistema u otro? La respuesta fácil sería el libre albedrío, pero no es correcta desde un punto de vista estricto. Una de las mejores respuestas que me dieron fue que las curvas eran para las fotografías complicadas y los niveles para las tomas más sencillas o mejor expuestas. Y creo que el que me la dio tenía toda la razón del mundo. Sin embargo pienso que, si todo supiéramos manejar bien las curvas, los niveles deberían relegarse al olvido y desaparecer poco a poco, sin estridencias ni homenajes. Lo más curioso es que todos echaríamos de menos un control tan visual.

Niveles no son más que una curva sencilla, de tres puntos. Uno dedicado al control de los negros, otro para los grises y el último para los blancos. Si pensamos que se pueden hacer curvas de hasta quince anclas (creadas por locos informáticos y maniáticos del orden) nos daremos cuenta del potencial de las curvas. Niveles es sólo una parte del todo:

• Mover el deslizador de las sombras de niveles es lo mismo que mover el punto inferior de la izquierda de una curva.
• Si tocamos el deslizador blanco de niveles estamos moviendo el punto superior derecho de la curva.
• El deslizador central hace lo mismo, aunque de forma resumida, que situar un punto en la curva y moverlo hacia arriba o abajo.

Por internet pululan algunas creencias arraigadas sobre las ventajas de los niveles sobre las curvas, pero que ya no son ciertas, desde las últimas versiones de los programas punteros:

1. Manejando niveles tenemos siempre a la vista el histograma. Una afirmación un tanto peregrina pues en las últimas versiones de Photoshop aparece, bajo las curvas y tenuamente, el histograma.
2. Sólo con niveles podemos controlar el nivel de umbral. Algo que no es cierto, pues si tocamos los deslizadores de los extremos en la ventana de las curvas podemos hacer exactamente lo mismo.

Una de las cosas que no podemos controlar con los niveles es el contraste de una manera certera. Sólo decimos que nivel queremos que sea más oscuro y cuál más blanco, pero a duras penas podemos definir el contraste entre ambos extremos. Con el deslizador central podemos decidir si queremos una foto más oscura o más clara, pero nada más. Sin embargo, el control de contraste con las curvas es una auténtica delicia. Es convertir la recta inicial en una curva en S y listo. Y si queremos, podemos incluso generar contraste en la zona de las luces y olvidarnos de las sombras. Esto es literalmente imposible con su competidor.

Yo suelo trabajar con niveles cuando quiero ajustar una fotografía, y me estoy acostumbrando a utilizar curvas para los ajustes zonales. El problema es que me suele bastar con un ajuste general, como sabéis los seguidores de ALTFoto edita tu foto. Los grandes maestros de Photoshop usan sólo las curvas para conseguir todo tipo de efectos, pero son más complicadas porque un movimiento mínimo puede suponer un cambio drástico en la fotografía, por lo que hay que usarlas con mucha precaución. Es muy cómodo la herramienta del panel de curvas Haga clic y arrastre en la imagen para modificar la curva, pues sólo hay que pinchar en un punto en la imagen que quieras modificar y listo: más claro, más oscuro, contraste…

Realmente no hay diferencias entre curvas y niveles. Lo único que tenemos que saber es que los niveles es un tipo de curva. Si sabemos esto, nos daremos cuenta de lo limitados que estamos, pero es que los niveles son tan sencillos… Eso sí, utilizadlos siempre con una capa de ajuste.

FUENTE | ALTFOTO | FERNANDO SÁNCHEZ FERNÁNDEZ

A todos nos ha pasado una vez. En la pantalla de la cámara la imagen se ve genial. Abrimos Lightroom, importamos el archivo y durante su carga se ve preciosa. Pocos segundos después —dependiendo de la velocidad de tu ordenador— la imagen se vuelve completamente plana, carente de color o lo que sea que tenía antes, tan solo unos segundos antes. Volver a ese estado momentáneo ajustando los controles puede ser algo complejo y especialmente si no prestaste mucha atención durante ese breve momento. ¿Qué es lo que sucede? ¿Por qué la fotografía se ve mucho mejor durante la carga que una vez finalizada?

El problema —si se lo puede llamar así— reside en la forma en que Lightroom carga los archivos. Antes que nada, todo archivo RAW no necesariamente contiene información bruta del sensor. Ademas de metadatos y obviamente la información cruda, no es extraño encontrar la versión JPG de la imagen. Cada archivo RAW tiene su equivalente de compresión con perdida, y este tiene los ajustes que realiza la cámara. Si tu la configuraste para saturar la imagen, este archivo JPG embebido al RAW también lo tendrá. En cierta manera, es una copia fiel del archivo que tendrías como resultado si disparases solo en JPG.

Ahora, sabido esto, veamos como carga un archivo Lightroom en su interfaz. Una vez importado al catalogo, se generan previsualizaciones de los archivos. Estos son pequeños archivos que representan al RAW, pero sin su información bruta, de referencia rápida. Son los que se utilizan para mostrar las vistas previas en el menú Biblioteca. Una vez seleccionada la imagen, cuando procedes al menú de revelado, sucede este cambio entre una imagen “bonita” y una no tanto. Lo que sucede en este mágico momento es que Lightroom te está mostrando el JPG embebido del RAW, mientras que carga por detrás el RAW verdadero. Durante esos segundos puedes ver la versión final —de la cámara— de esa fotografía, con los preajustes de revelado de esta. Luego, finalizada la carga, visualizas el RAW crudo, listo para todo ajuste.

El problema entonces es que Lightroom te está mostrando todo el potencial de la imagen y luego vuelves al estado cero. Pero a no temer, hay una forma de llegar a esos ajustes, tal como lo haría tu cámara, pero emulado por Lightroom. Solo debes ir al apartado “Calibración de cámara” (el ultimo de la lista) y en “Perfil” elegir el que utilizas en tu cámara. La apariencia del revelado será exacta o muy similar a la que has visto originalmente en la carga.

FUENTE | ALTFOTO | ANDRÉS REY

Establecidas en forma de “surround camera area” que podría recordar al efecto bullet time de la película “Matrix”, aquí los modelos posan para que las 60 cámaras disparen a la vez. Tras la sesión de fotos, todo el contenido es importado al ordenador y el fotógrafo ya edita el modelo en 3D con ZBrush para conseguir remarcar todos los pequeños detalles que en la captura se han perdido, como pueden ser pequeñas arrugas de expresión o de forma contraria, suavizar la piel de una próxima novia. Tras la captura y la edición, el modelo pasa a la impresora 3D, retocar el resultado y la figura está lista.

Esta empresa no sólo se dedica a la creación de retratos 3D, sino que también ofrecen un servicio de escaneado y preservación digital, por lo que este tipo de empresas no trabajan únicamente con personas, sino también con instituciones. En el vídeo que os dejo a continuación podemos ver, entre otras cosas, un gran ejemplo de un Perro de Fú que ha sido fotografiado y replicado.

Personalmente, este tipo de sistemas tan innovadores me sorprenden cada vez más. El otro día hablábamos de la cámara Fuel 3D y yo me preguntaba si los fotógrafos del futuro serán también fotógrafos 3D —teniendo que aprender a manejar programas de 3D—, y viendo a Captured Dimensions, todo da a pensar que un fotógrafo que no tenga una estación de impresión 3D en un futuro no podrá trabajar como tal. Una pequeña duda que tengo es si tal vez cinco Fuel 3D’s en vez de sesenta DSLR’s darían un resultado similar.

Si la fotografía supuso una revolución por el poder de capturar el instante, ahora y en los próximos años será famosa por sacar de las dos dimensiones a las personas para poder tener encima de la estantería ya no una foto de familia, sino, tal vez, una escultura de familia.

FUENTE | ALTFOTO | DANIEL JIMÉNEZ