El pasado Marzo, Mike Kelley se levantó para realizar una fotografía, dándose la casualidad casi divina de que las estrellas se alinearon para que Mike disfrutara de unas condiciones climáticas excelentes. El fotógrafo quería crear una foto en el aeropuerto internacional de Los Ángeles no sólo para mostrar los aviones, sino para crear una imagen única que mostrara el carácter internacional y bullicioso del aeropuerto y la ciudad.

La fotografía resultante es la que vemos arriba, ‘Wake Turbulence’. “Una fotografía que ha sido robada, comprada, vendida y de la que Internet se ha beneficiado mucho, aunque también me ha servido para que mucha gente se interese por mi trabajo”, dice Mike. La fotografía ha sido portada de muchos medios como la NBC, Fox, The Daily Mail, The Washington Post, Gizmodo, numerosos portales internacionales y también fue portada durante día y medio en Reddit. Mike ha visto su correo electrónico saturado, su móvil no ha parado de sonar para ofrecerle comprar su trabajo y entrevistas, y muchas empresas de construcción de equipos aeronáuticos y aerolíneas le han pedido trabajar para ellos.

‘Wake Turbulence’ fue en un principio programada para ser realizada durante unas cuantas horas, pero cuanto más disparaba, más quería seguir disparando. El fotógrafo estuvo en el spot durante 8 horas disparando constantemente a los aviones que despegaban de la pista. “Me quemé por el sol y estaba hambriento, pero la emoción de conseguir la fotografía que tenía en la cabeza era motivación suficiente para seguir disparando”, relata Kelley. Tras esas 8 horas sin moverse del sitio, era hora de volver a casa y procesar la fotografía. “Cortar, pegar, copiar, duplicar, empujar, combinar, curvas, saturación, escala, una y otra vez”, así fue el workflow durante unas cuantas horas. El resultado fue una imagen de 2000 píxeles de ancho, sin marca de agua, que Mike colgó en la pequeña comunidad de aviación de Reddit.

Al levantarse, su fotografía era la más vista de toda la comunidad, y su email así como su teléfono estaban plagados de peticiones de contacto desde todas partes del planeta. “Esa segunda noche intenté dormir pero me fue imposible, la emoción era demasiada par mí, y si ya tengo el sueño ligero, esto me hizo que no pudiera pegar ojo”, comenta Mike. Al tercer día de publicar su fotografía,una agencia le contactó para licenciar su fotografía, ofreciéndole el pago de las royalties por el uso de su fotografía.

Durante los siguientes días, muchas organizaciones y empresas se pusieron en contacto con Kelley. Empresas constructoras de aeronaves querían que Mike tomara fotografías de sus productos; los aeropuertos le contactaron para realizar fotografías en instalaciones de acceso restringido como la torre de control o zonas a pie de pista en las que es imposible acceder. “‘Wake Turbulence’ me ha dado unas oportunidades que nunca creí que podría tener”, comenta Mike al que vemos en la fotografía sosteniendo su aclamada fotografía.

El orgulloso fotógrafo entonces cabila la razón por la que la fotografía fue tan compartida.

“Lo principal es que la colgué en Reddit, y si algo genera interés en Reddit, los medios van a estar interesados en darle difusión porque saben que generarán interés. [...] Sin embargo, no es sólo el colgarlo en Reddit, sino que la colgué a una buena resolución y sin marca de agua, algo que hice conscientemente porque cuando ves una imagen impresionante, quieres ampliarla y ver los detalles; en cuanto a la marca de agua, si el espectador ve una fotografía sin marca de agua, no afecta a su experiencia porque no hay nada que le distraiga y el efecto es mucho más positivo. La totalidad de Internet odia los anuncios, y se sentirán menos interesados en compartir una fotografía que lleva un anuncio colgante que una que no lo lleva. [...] En la fotografía hay aerolíneas de todo el mundo, por lo que muchas personas reconocerían alguna de su propio país. Las condiciones climáticas afectaron notablemente ya que la ausencia de niebla o smog hicieron que la claridad del día fuera la ideal para hacer la fotografía y conseguir un resultado técnicamente excelente”.

Son argumentos bastante convincentes de los que todos podemos tomar notas cuando tengamos en nuestras manos una fotografía que podría ser potente y que puede tener tracción en plataformas como Reddit. Todo se basa en entender a quién ve las fotografías por internet, cómo las ve y cómo se siente cuando las comparte; entendiendo conceptos básicos sobre audiencias tendremos el poder de pasar de una fotografía que pasa inadvertida a una fotografía que puede convertirse en viral. Sin embargo, a pesar de que la fotografía haya sido robada y vendida, generando ingresos que no llegaron a Mike, él dice…

“Para ser honesto, no me importa que la imagen esté por ahí fuera. Me ha abierto tantas puertas que aún no me lo puedo creer. No tengo idea de lo que será el futuro de la fotografía de aviación, pero siendo una veterana pasión, no podría estar más emocionado que esta imagen a una alta resolución y sin marca de agua, me ha dado.”

El ejemplo de Mike es uno de esos que demuestran que el trabajo creativo personal es una de las mejores herramientas para meter la cabeza en la industria fotográfica, especialmente en el trabajo de fotografía industrial. Dá que pensar que una fotografía hecha por pura afición, sin una intención de generar ingresos puede ser la mejor forma de venderse a uno mismo.

Si quieres ver más trabajos de Mike Kelley, puedes acceder a su página web, o su Facebook.

FUENTE | ALTFOTO | DANIEL JIMENEZ

Antes y después del decálogo

Este fin de semana he estado dando un curso en Asturias, y uno de mis alumnos, cuando explicaba cómo revelar una fotografía, se ha dado cuenta de que la rutina que enseño es un decálogo de revelado. Por eso voy a publicarlo aquí, aunque muchas veces lo he aplicado en la sección ALTFoto edita tu foto. La esencia de este método viene de los consejos de Hugo Rodríguez en su libro Captura digital y Revelado de RAW.

Estos son los diez pasos fundamentales que podemos seguir para conseguir una fotografía bien revelada. Puede ser el fin o el principio de un revelado más a fondo, pero la mayoría de las veces es suficiente con ellos. Empecemos:

Mirar la fotografía

El primer paso siempre es el más importante. Nos animamos a revelar una fotografía si nos gusta y si vemos que tiene posibilidades. Es importante que valoremos sus virtudes y sus defectos, que nos fijemos en los límites de su encuadre por si es necesario recortar. Damos importancia al color, si está bien combinado, porque a lo mejor hace falta pasar la fotografía a blanco y negro.

Entender el histograma

Si entendemos el histograma, podremos avanzar en el mundo del revelado digital. Es imposible llegar a buen puerto si no entendemos lo que nos está diciendo el histograma. Es muy esclarecedor darse cuenta de sus faltas y sus excesos.

Si llega al extremos derecho tenemos mucha información con la que trabajar. Si no llega habrá ruido. Si la parte central carece de información y los extremos toman mucha altura, estaremos ante una fotografía con mucho contraste, pero si ambos extremos están vacíos, y todo se concentra en el centro entonces la imagen tiene poco contraste… Todas estas cosas y algunas más las tenemos que ver claras durante este paso.

Corregir los problemas ópticos del objetivo

Los objetivos con los que solemos trabajar no tienen toda la calidad que podríamos desear. Por eso es necesario corregir sus distorsiones, sus viñeteados y sus aberraciones cromáticas. Este tema era muy complicado hace unos años, pero todos los programas de la actualidad permiten hacer las correcciones pertinentes de cualquier objetivo de marca reconocida. Desde los de Adobe hasta los software de las marcas permiten enmascarar los fallos de nuestros objetivos, que siempre los tienen, con mayor o menor fortuna.

Reencuadrar la fotografía

Ahora es el momento de recortar la fotografía siempre que sea necesario y que así lo hayamos valorado en el primer paso. La mayoría de las imágenes mejoran ajustando el encuadre porque permite centrarse ene el elemento principal o eliminar objetos que se nos hayan colado en los extremos del encuadre.

Hay fotógrafos que son contrarios a esta práctica, pero pienso que siempre que se pueda mejorar un disparo sólo por recortar es algo lícito, pues no estamos inventando nada, sólo estamos mejorando la impresión, tal como hacíamos en el laboratorio químico.

Eliminar las dominantes de color

Un buen equilibrio de blancos mejora cualquier fotografía. Siempre recomiendo trabajar con el equilibrio de blancos automático en la cámara, para evitar problemas durante los continuos cambios de iluminación que hacemos en un viaje.

Por este motivo es importante ajustar en este momento y eliminar las posibles dominantes de color que tenga la fotografía. En muchos casos la imagen parecerá otra sólo con pinchar con la herramienta correspondiente en una zona sin dominantes, como puede ser el blanco y el gris.

Valorar la luminosidad general de la imagen

Decidimos si queremos la fotografía más oscura o más clara, o nos sirve tal como está. En Camera RAW o Lightroom se controla con Exposición, pero en otros programas sigue denominándose Brillo.

Contraste

Elegimos el grado de contraste para oscurecer las zonas oscuras y aclaras las parte claras, es decir, las separa. Si subimos el contraste suele aumentar la saturación de los colores y la fotografía parece más enfocada, pero sólo es una sensación. Realmente, con un contraste alto, la imagen tiene más fuerza y carácter, pero es un apreciación subjetiva.

Arreglar el lado derecho del histograma

Una vez hemos hecho los ajustes generales de la fotografía, nos tenemos que preocupar de las partes. En primer lugar las luces. Tenemos que asegurar que conseguimos un blanco absoluto para registrar una gama completa. En los programas de Adobe tenemos Blancos y Altas luces, pero todo consiste en trabajar con la zona superior de las Curvas. De hecho sería fantástico que todos aprendiéramos a usarlas, pero entiendo que es harto difícil si no tenemos costumbre.

Arreglar la zona izquierda del histograma

Ahora es el momento de las zonas oscuras de la fotografía. Tenemos que conseguir al menos un negro absoluto, una pequeña zona de la imagen sin detalle, así terminaremos de completar todos los niveles del histograma.

Aumento de la acutancia

Y el paso final, el número 10, es subir el contraste de los tonos medios, para conseguir una mayor sensación de nitidez. Hay muchas formas de conseguirlo, pero una de las más sencillas es acudir al comando Claridad de Adobe. Eso sí, es importante no abusar.

Y con este paso completamos la rutina de revelado que hay que seguir con cualquier programa de edición para conseguir que una foto luzca con el mejor aspecto posible. Las diferencias entre el ante y el después pueden ser sutiles, pero marcaremos la diferencia entre una buena fotografía y otra fabulosa.

FUENTE | ALTFOTO | FERNANDO SÁNCHEZ

Lo primero que tiene que quedar claro es que todos tenemos familia y amigos y, me imagino, queremos seguir conservándolos. El 98% de los viajes que realizamos los hacemos acompañados, y este hecho, por lo demás reconfortante, no es el mejor aliado para hacer fotografía de paisaje como pretenden todos los manuales al uso. Hay cosas que debemos asumir de entrada.

Consejos imposibles de las guías

Sugieren levantarse a primeras horas de la mañana, recorrer concienzudamente todo el territorio que queremos fotografiar para calcular cuál será la mejor hora, ir cargados con el trípode más pesado y cámaras de gran formato, volver a ese sitio a la hora que hemos previsto, montar el equipo y esperar las horas que hagan falta, con el clima que sea, para conseguir ese momento único e irrepetible que vamos a tener la suerte de presenciar y, después de todo nuestro esfuerzo, fotografiar. Seamos realistas y, sobre todo, clementes con nuestros acompañantes. No todos podemos ser Michael Kenna, aunque lo podemos intentar.

Todo lo que dicen estos manuales lo podríamos cumplir si fuéramos solos, si tuviéramos todo el tiempo del mundo, y vocación de mulas de carga. Desde luego que conseguiríamos los mejores resultados, pero se nos estaría olvidando lo más importante para el fotógrafo aficionado, que es disfrutar. La única manera de cumplir todas estas normas es salir a hacer fotos de paisajes dentro de nuestro entorno habitual, es decir, hacer las fotos en algún parque de nuestra ciudad o en los campos del pueblo al que solamos ir con frecuencia, o en la playa donde tengamos (qué suerte) un apartamento. En esta situación, podemos salir solos y dedicar todo el tiempo que queramos, sin molestar y sin ser esclavos del reloj. Además, esto nos permitirá un buen ejercicio visual, que es buscar imágenes originales en un entorno conocido. Seguro que descubrís muchas cosas.

No hacen falta una cámara de banco, un trípode de madera, un juego interminable de filtros, viseras cinematográficas… Todo puede ser más sencillo, y aunque no consigamos los mejores resultados, si podremos colgar en nuestras paredes o páginas hermosas fotografías. Todo depende de nuestro grado de exigencia.

Consejos realistas

Para nuestros viajes, nos basta nuestra cámara y la buena compañía. Fotografiaremos el momento que vivimos, con la luz que hay y con los medios que tengamos, así también haremos otro buen ejercicio, conseguir una buena foto aunque nos veamos limitados de tiempo y material, tal y como trabajan los reporteros de prensa. No hay nada más gratificante.

El equipo que podemos llevar para esta modalidad fotográfica es muy sencillo, si no queremos complicarnos la vida, basta con una sencilla cámara compacta. No podemos olvidar que la cámara no es más que un instrumento, o como decía Alberto Schommer, una prolongación del ojo.

Las cámaras digitales son una bendición para este tipo de fotografía

Pero si queremos tener más control sobre la imagen, y esto facilita mucho las cosas, tendremos que llevar una réflex o una EVIL, con una buena gama de focales, que nos permita jugar con la exposición -diafragmas y velocidades- y los encuadres. La libertad y la comodidad que dan sus sistemas de visión y sobre todo la posibilidad de cambio de focales, las hacen invencibles en este terreno.

Las cámaras digitales son una bendición para este tipo de fotografía por muchos motivos, pues han permitido algo muy importante para muchos fotógrafos, evitar tener que cargar con dos cámaras a todos aquellos que querían hacer B/N y color. Si disparamos en formato RAW, tendremos la posibilidad de jugar con las iluminaciones posteriormente en el ordenador, sin miedo a generar ruido o dejar la zona de luces sin valores. Y como podemos comprobar en el momento si la foto ha salido, en el instante podemos corregir y volver a sacar ese momento irrepetible con distinto encuadre o con una exposición más cuidada…

Siempre es mejor tener un buen objetivo antes que una cámara excelente

Respecto al tema de la óptica, lo más importante para esta especialidad es que sean las mejores que nos podamos permitir, con el fin de conseguir sacar los mejores detalles, los más finos. Un objetivo malo destaca por la falta de calidad que da en los bordes y por el viñeteado que provoca. Siempre es mejor tener un buen objetivo antes que una cámara excelente. Y compensa tener un buen objetivo antes que varios de mala calidad. Lo más cómodo es llevar dos buenos objetivos zoom, por ejemplo, un 24-70 mm y un 70-200 mm. Pero si me hacéis caso y os pasáis a los fijos, vuestra espalda lo agradecerá y el resultado final será mejor.

Y por último, ¿B/N o color? Con la fotografía clásica, o nos decidíamos por una o por otra, y como hacíamos mucho, terminábamos llevando las dos. Unos buenos carretes de diapositivas de baja sensibilidad (50 ISO) y unos cuantos de blanco y negro. El mundo digital nos permite tener lo mejor de los dos mundos, en el menor espacio posible. No hay que olvidar llevar dos o tres tarjetas y una batería de recambio. No hay nada peor que ver la foto y no poder hacerla.

FUENTE | ALTFOTO | FERNÁNDO SÁNCHEZ

Desde Fstoppers nos llega un interesantísimo artículo acerca de 10 consejos que nos van a ayudar con nuestras poses para nuestras fotografías. Este tema que me interesa personalmente porque a la hora de trabajar con modelos o simplemente haciendo unas fotografías, no sé cómo dirigir y hacer que quien se pone delante de la cámara pose bien para sacar unas buenas fotografías. Este artículo vendrá bien a aquellos que quieran adentrarse en la fotografía de moda como para fotógrafos sociales y en general, cualquier persona a la que le guste fotografiar gente.

Inspírate

Lo primero que tenemos que hacer cuando nos adentramos en terreno desconocido es investigar lo que han hecho otros, poner en común nuestra visión y ver cómo podemos cambiarlo. Siempre debemos experimentar y trabajar de acuerdo a cómo creamos que podemos conseguir un mejor resultado y mejorar lo que para nosotros está por mejorar. Cada persona tiene una visión del mundo y podemos hacer uso de ella para imprimir nuestro sello personal para realizar nuestro trabajo. Inspírate, mira, observa, y prepárate, el conocimiento no ocupa lugar.

Puedes ver muchísimas imágenes en plataformas como Pinterest, Tumblr, el propio Google, o visitando páginas web de revistas como Vogue, Glamour o V Magazine, por poner tres.

Mirar a la cámara es aburrido

La mirada es una de las partes más importantes de una fotografía. Sin embargo, no conseguimos un resultado atractivo si hacemos que la modelo mire fijamente a la cámara en todas las fotografías. Para evitarlo, hay un juego para evitar que se llama ‘Siguiendo la nariz’, en el que la modelo debe mirar en todo momento hacia donde apunta su nariz; no con mirada perdida, sino fijándose en lo que su nariz esté apuntando, como si fuera un dedo. Si planificamos una sesión con unas cuantas poses distintas, veremos que los ojos muchas veces estarán mirando fuera de campo y este sencillo consejo aportará una atmósfera distinta, de mucha naturalidad a la fotografía.

Por probar que no quede, por lo que hay que experimentar con todo, y ésta es solamente una idea que permitirá conseguir resultados distintos. El si son mejores depende del resultado que nosotros queramos conseguir.

Desequilibra los hombros

Los hombros junto a la cintura son las dos partes que definen el equilibrio de la figura. Mover una de estas dos partes hace que el cuerpo se mueva y se dinamice en la fotografía. Sin embargo, muchas veces haremos planos medios, por lo que una de las mejores opciones es aprender mover los hombros. Dejar uno más levantado que otro, o posicionarlos delante o detrás para conseguir distintas sensaciones siempre cambiará por completo el ambiente de la fotografía.

Jugando con la relación entre hombros y cadera, el contrapposto es una técnica de posado milenario que ya usaban los griegos para sus esculturas y que provee de un dinamismo espectacular sin que la figura esté saltando o en una posición de gran dinamismo. Si el contrapposto lo llevamos a su extremo y retorcemos la figura mientras ésta se apoya en algún elemento, conseguimos una curva praxiteliana.

Ivory Flame es una modelo inglesa con un virtuosismo para la pose clásica excepcional, por lo que puede ser una fuente de información excelente para aquellos que quieran investigar estas poses que tantísimos siglos llevan utilizándose a través de su blog.

Barbilla hacia fuera y baja

La barbilla es una de las partes más importantes de una fotografía cuando queremos evitar papadas y estirar la piel del cuello y la cara. Lo más recomendable para ello es bajar y sacar la barbilla; la fotografía es un fenómeno en dos dimensiones por lo que el resultado será satisfactorio, sin diferencias notables en el resultado de la fotografía. Estuvimos hablando no hace mucho sobre cómo podemos estilizar nuestros retratos, y uno de estos consejos que dábamos hablábamos, ilustrándonos con un vídeo, de la técnica de adelantar la mandíbula ligeramente.

Boca abierta vs boca cerrada

La boca es otro de esos detalles que siempre llaman la atención porque, como las manos, no sabemos si dejarla abierta o cerrada o cómo debería ir. Lo más normal, debido a la técnica de adelantar la mandíbula, es que la boca vaya abierta ligeramente y enseñando un poquito lo dientes para ayudarnos en la tarea de estirar la mandíbula. Estéticamente, el resultado de la boca abierta es mucho más distendido y natural que una boca cerrada, que transmite un mayor dramatismo a la imagen.

Si trabajamos con modelos masculinos, es interesante que cierren la boca y aprieten ligeramente las muelas, para marcar el maxilar alrededor del pómulo.

Mueve los pies

En el mundo de la moda, cuando quieres hacer fotos de los zapatos —que es una de las prendas más importantes del conjunto— debes moverlos y hacerles ser los protagonistas. Es muy difícil conseguir esto si no hacemos que la modelo salte, mueva la pierna hacia arriba o la sentemos en el suelo para elevar la posición de los zapatos con respecto al cuerpo. Lo más utilizado es utilizar la fotografía que destaca los zapatos como la foto más dinámica del catálogo, o una de las más dinámicas, ya que en pocas fotos más necesitaremos una pose tan dinámica.

En cualquier caso, para fotografiar los zapatos debemos fotografiarlos de forma que todo el protagonismo recaiga sobre ellos, sea como sea.

¿Cómo manejar las manos?

Las manos es una de las partes del cuerpo que más cuesta de planificar porque las tomamos como dos elementos triviales que sin embargo son de los más importantes cuando hacemos posar a una modelo. En muchas ocasiones veremos que se evita que las manos entren en plano para evitarnos componer con ellas, pero sólo hace falta saber unas cuantas poses para manejarlas perfectamente y que no sean un estorbo, sino que aporten atmósfera a nuestro trabajo.

Sue Bryce es una fotógrafa que hace un uso exhaustivo de las manos en sus modelos, consiguiendo unas fotos muy naturales que destacan sobre todas las demás. Tal vez el ojo poco experto pase por alto ese detalle, pero si nos fijamos detenidamente y pensamos “¿cómo sería la fotografía sin esa mano ahí?” veremos que es un detalle que marca la diferencia.

Un detalle puede cambiarlo todo

Hablando de los detalles que marcan la diferencia, en una industria milimetrada como es la moda, la fotografía también debe estar muy cuidada. Los detalles siempre tienen su razón de ser, y las revistas no se gastan miles de euros en sesiones de fotografías si no cumplen con el estándar de calidad y muestran al milímetro lo que se pretende que muestren. Debemos tener una fijación constante en qué es lo que se está viendo en la fotografía, para saber que si algo no encaja debemos quitarlo. Tenemos que tener especial cuidado en que la pose transmita lo necesario, que la modelo se encuentre perfecta y que el resultado final de postproducción se adecúe a lo planificado.

Agáchate y dirige

Cuando disparemos un plano general enseñando todo el cuerpo de la modelo en una foto, muchos fotógrafos tienden a fotografiar a la altura de los ojos o más alto, tal vez porque ayuda a estilizar el retrato. Sin embargo, es mucho mejor que disparemos por debajo de la altura de los ojo para ayudarnos a dar una mayor sensación de amplitud a la modelo como si fuera una superheroína. Además, este recurso nos ayudará a tomar más parte de cielo, ayudándonos a crear mediante el escenario una imagen mucho más amplia y despejada pero manteniendo el suelo en la toma como punto de anclaje de la figura.

Dirigir es nuestra labor más importante como fotógrafos, y generar una relación de confianza con los demás profesionales es vital. Por eso, sería recomendable soltar de vez en cuando algún cumplido a la modelo para hacerla sentir cómoda con lo que está haciendo. Si no dirigimos, no estamos intentando conseguir la imagen perfecta, y conseguir la imagen perfecta es por lo que nos pagarán; no se debe tener miedo de dirigir y dar recomendaciones, pero sí hay que tener cuidado de evitar las órdenes y ser unos capullos en nuestro trabajo.

Nunca mires el LCD

El ‘chimping’ es el término en inglés definido para aquellos que después de hacer una fotografía miran el LCD para comprobar el resultado de inmediato. Sabemos que esto es algo que pasa desde el inicio de las cámaras digitales, y nos sigue pasando cuando hacemos retratos a nuestra familia, pero debemos evitar hacer eso cuando fotografiamos de forma seria. ‘Chimpear’ puede ocasionar graves problemas de comunicación y confianza entre el fotógrafo y la modelo ya que estamos entorpeciendo el flujo natural de la sesión. Siempre que miremos el LCD para comprobar resultados, que sea cada 15 minutos, acompañados de la modelo y conversando sobre el resultado y cómo podemos cambiar ciertas poses para conseguir un resultado mejor.

FUENTE | ALTFOTO | DANIEL JIMÉNEZ

Podemos integrar Lightroom con Photoshop, dos programas de la casa Adobe para trabajar con las fotografías. Lightroom se dedica en exclusiva, en cuerpo y alma, a las imágenes. Photoshop es en realidad un programa de diseño gráfico con 1001 posibilidades. Mucha gente desconoce cómo trabajar con ambos programas a la vez, y es una de las cosas más interesantes que podemos hacer para agilizar nuestro flujo de trabajo.

Antes de empezar

Una mala noticia para aquellos que no tienen versiones contemporáneas de ambos programas, para aquellos que actualizan Photoshop y se olvidan de hacer lo mismo con Lightroom, o viceversa. Todos estos fotógrafos no pueden integrar el trabajo entre ambos programas con agilidad, y perderán un buen flujo de trabajo con los objetos inteligentes, hoy por hoy uno de los flujos de trabajo más interesantes que podemos encontrar.

Lightroom 5 y Photoshop CC son grandes compañeros, pero este último ya no se lleva tan bien con versiones anteriores de su hermano pequeño, sobre todo si tienen un motor de procesado distinto. Actualmente podemos trabajar con la versión 2012. El problema es que no es compatible dicho motor con las versiones antiguas y esto hace imposible trabajar con los objetos inteligentes.

Así que si queremos aprovechar todas las opciones no queda más remedio que trabajar siempre con las últimas versiones, una pequeña trampa que nos encadena y obliga a fidelizarnos con ambos programas. Pero os prometo que merece la pena.

Ambos programas amplían sus fronteras cuando trabajan juntos. No son excluyentes, aunque si tuviera que quedarme con uno solo, con todo el dolor de mi corazón, sobre todo en el tema de la organización y clasificación, elegiría Photoshop. Su relación se basa en el mundo del revelado, aunque también hay que señalar que para clasificar metadatos se entienden a la perfección.

Si trabajamos con formato RAW

Imaginaos que hemos descargado las fotografías de nuestro último viaje, las hemos añadido al catálogo de Lightroom y ya hemos decidido después de una ardua edición, qué fotos queremos revelar. Las hemos metido en una colección rápida (B) y tenemos veinte fotos listas para ser procesadas en el módulo Revelar. Puede suceder que en alguna de ellas queramos quitar algún elemento que no nos gusta, como una persona que se ha colado en un encuadre. Hasta ahora, la mayoría seguro que terminaríais la fotografía en Lr y posteriormente la abriríais en Photoshop. No es necesario hacerlo.

Si por algún motivo queremos pasar durante el revelado el archivo a Photoshop sólo tenemos que dar a Ctrl+E o con el botón derecho del ratón Editar en>Photoshop y se abrirá la fotografía en dicho programa. Hacemos lo que tengamos que hacer y guardamos la fotografía en Archivo>Guardar.

En cuanto volvamos a Lightroom tendremos esa fotografía modificada en Photoshop para seguir con ella. ¿Cómo? En la tira de fotografías se habrá creado un archivo nuevo vinculado al archivo original con los cambios aplicados. El original, como siempre, nunca se pierde.

Si trabajamos con cualquier otro formato de imagen

Si somos de esos que tenemos un archivo jpeg en nuestro archivo o seguimos fotografiando con algo tan comprimido la relación entre los programas es algo más compleja, pues de tener una opción pasamos a tener tres, lo que puede confundir a muchos. Si damos al botón derecho y elegimos Editar en Photoshop tendremos tres posibilidades:

1. Editar una copia con los ajustes de Lightroom abre un duplicado en Photoshop, como si fuera un archivo terminado, con los cambios que hemos aplicado en el programa. Si volvemos a Lightroom ya no podremos editar los ajustes que hicimos originalmente en el programa.

2. Editar una copia hace una copia de la copia que hemos podido hacer previamente. Sólo es un duplicado más de la fotografía.

3. Editar original es un sueño hecho realidad, pues abre los archivos sin los cambios que hayamos aplicado en Lightroom. Si hemos creado alguna capa de ajuste previamente en Photoshop, o queremos dar pasos atrás en el panel Historia, es la mejor opción que podemos elegir, para la perfecta integración del programa.

Trabajar con objetos inteligentes

Estamos ante uno de los mejores inventos para revelar nuestros trabajos, pues siempre podemos volver al original RAW. El problema es el que he indicado más arriba. Si no tenemos las versiones contemporáneas directamente no podremos hacerlo.

El flujo que recomiendo, y es el que yo aplico ahora en mi trabajo diario, es revelar la fotografía en Lightroom y si veo la necesidad de trabajar por zonas, la paso a Adobe Photoshop como OI en Editar en>Abrir como objeto inteligente en Photoshop.

Sin embargo, aquí se acaba la relación entre ambos programas, pues si queremos volver al módulo Revelar, no tendremos opción, pues sólo podremos abrir Adobe Camera RAW, con una interfaz menos amable. Nos queda el consuelo de saber que el resultado será idéntico.

Otras opciones

Todavía podemos encontrar más opciones que relacionan a ambos programas. Y es algo muy sencillo. Si vamos a menú que todos conocemos ya, Editar en… veremos que hay otras formas de integrarlos.

En algunos casos puede suponer una decepción, pues seguro que mucha gente piensa que podemos hacer panorámicas o HDR en Lightroom, pero no es así. Siempre necesitaremos trabajar con el hermano mayor. Pero aquí está la orden para, una vez seleccionados los archivos, poder hacer todas estas cosas.

Lo más curioso de esta relación es que no es recíproca, pues Lightroom si que se dirige a Photoshop, pero el caso contrario ni se contempla.

FUENTE | ALTFOTO | FERNANDO SÁNCHEZ FERNÁNDEZ

Las distintas conexiones de la tarjeta gráfica para pasar la señal de vídeo al monitor se han ido complicando a lo largo de los años. VGA, HDMI, DVI… Estas siglas esconden diferentes significados que si los supieramos sería mucho más fácil elegir cuál nos interesa más o de cuál tendríamos que huir si fuera posible.

Durante muchos años la única conexión que teníamos, para nuestros monitores de píxeles verdes (los más viejos del lugar lo recordareis) era el VGA, allá por los años ochenta, cuando sólo admitía 640×480 px, una resolución que ahora tienen los móviles de gama baja. También recuerdo cuando tenia que conectar un proyector a mi portátil por S-Video con un cable de 20 m… Os aseguro que funcionaba a la perfección. Pero hoy en día hay múltiples opciones que conviene conocer para saber qué nos interesa más.

VGA

Aunque parezca mentira, todavía subsiste en un mundo enteramente digital dominado por la alta definición. Conozco a uno que se ha comprado un portátil de última generación, con pantalla de alta definición, hace bien poco, de los más ligeros del mercado, y como accesorio traía un adaptador HDMI>VGA. Es el conector rey, tan frecuente como el Windows XP, aunque muchos esperamos que le quede bien poco y que sea derrocado, no sólo por la estética, sino por su evidente falta de calidad.

Video Graphics Array (adaptador gráfico de vídeo) apareció por primera vez en 1988 de la mano de la entonces omnipotente IBM. Tiene quince pines y es enteramente analógico. El problema es que al hacer la conversión digital/analógica se pierde mucha información o se distorsiona.

Sin embargo, es el estándar hoy en día. Lo más llamativo es que puedes conectar un flamante iPad Air a un proyector VGA gracias al caro adaptador que venden. Y muchos ordenadores actuales ultrafinos tienen una protuberancia en el lado donde está esta conexión. Uno de sus problemas, además de su pobre reproducción de los colores, es que no soporta la alta definición. Y os prometo que hace poco vi una televisión 4K de 34000€ con semejante puerto.

DVI

Son las siglas de Digital Visual Interface. Apareció para conseguir una conexión enteramente digital en 1999. Por primera vez se podía trasmitir la información, los datos, de forma enteramente digital. Esto supone, entre otras cosas, la desaparición del ruido analógico y sus inevitables distorsiones. La imagen se ve o no se ve.

A pesar de estar pensado para monitores de última generación, todavía tiene la cualidad de trasmitir señal analógica. Tiene entre 24 y 29 pines. Su forma rectangular recuerda al poderoso VGA, ya que se diseñó para ser totalmente compatible con el antiguo conector. De hecho hay muchos que los confunden, y que levante la mano quien no haya intentado meter un VGA en un DVI.

Es totalmente compatible con la alta definición y soporta el vídeo progresivo. Curiosamente es más fácil encontrar un VGA en una televisión FullHD que un DVI. Es muy fácil encontrar un adaptador VGA>DVI. El único problema que tiene es la competencia que el brinda el popular HDMI. Hoy por hoy es la conexión más robusta y en cuanto a calidad de imagen ofrece las mismas cualidades que el moderno HDMI.

HDMI

Se ha popularizado enormemente, sobre todo a la publicidad de las televisiones de alta definición y su conexión a los famosos Bluray. De repente parecía que no había otra conexión en el mundo. Es pequeña, manejable y trasmite sonido además del vídeo. Lo tiene todo.

Su origen no está en las computadoras, pero parece que se convertirá en la conexión estándar, si alguna vez abandona el puesto el VGA. High-Definition Multimedia Interface fue ideado en 2002 y tuvo varios creadores como los conocidos Hitachi, Panasonic, Philips, Sony… de ahí su popularidad.

Lo más curioso es que es la única conexión que admite una protección anticopia en sus propias carnes, el famoso HDCP, de ahí que muchas productoras lo hayan bendecido. No ofrece más que el DVI, pero una fuerte campaña publicitaria lo ha llevado al éxito.

No hay diferencia entre el HDMI y el DVI

Uno de sus problemas es la cantidad de versiones incompatibles que podemos encontrar en el mercado y el engaño de los precios, pues podemos encontrar cables que dejan tiritando la cartera, cuando los más baratos cumplen la misma función. Cuando compramos un nuevo cable, tenemos que saber para que lo queremos. Por ejemplo, si queremos hacer un vídeo 4K, obligatoriamente tenemos que comprar la versión 2.0, y que la conexión de la tarjeta gráfica sea compatible.

Para lo que nos interesa, que es la fotografía, vuelvo a insistir que no hay diferencia entre el HDMI y el DVI, sólo una buena publicidad.

Ahora mismo en el mercado estas son las conexiones de vídeo que podemos encontrar en un PC. También podemos encontrar la Displayport y la Thunderbolt, pero de momento, para las grandes masas, son conexiones minoritarias, aunque al estar libres de derechos parece que no tardarán en imponerse.

En resumen, para conectar un monitor para la fotografía estaremos bien servidos con cualquiera de las nuevas conexiones, siempre y cuando podamos olvidarnos del entrañable VGA.

FUENTE | ALTFOTO | FERNANDO SÁNCHEZ FERNÄNDEZ

No hay como un sábado frío de invierno (a este lado del charco) para navegar por la red y pasar el rato en el sofá con la batamanta y una galería de imágenes entretenidas. Por eso, en ALTFoto queremos enseñaros unas cuantas fotografías que han estado en el ojo del huracán en este año. Son autofotos, algo de lo que ya hablamos en otras entradas y que alguno de los protagonistas de estas imágenes deberían haber leído. Os dejo el enlace y vamos a por estos mejores selfies de 2013:

1.Beyoncé y su corte de pelo

Hay famosos que nos cuentan de todo, Beyoncé es una de ellas, esta vez que se cortó el pelo.

2.Justin Bieber

Lo raro es que no se cuele un selfie de Bieber, porque es su especialidad, o lo que realmente le gusta fotografiar.

3.Chris Cassidy

Este es increíble, pero claro, no todos la suerte de poder hacerse un autorretrato con estas vistas, como hizo el ingeniero Chris Cassidy en uno de sus paseos espaciales el 16 de julio de 2013.

4.Bill Clinton y Bill Gates

Los dos “Billies” autorretratados por el ex-presidente. No pongo en duda su profesionalidad en su carrera política, pero confirmo que la fotografía no es cosa suya.

5.Darth Vader

En el recién estrenado perfil de Star Wars en Instagram se incluye este selfie del malo malísimo Darth Vader. Casi me da ganas de hacerme una cuenta en Instagram sólo para seguir este perfil.

6.Águila “roba-cámaras”

Hace unos días se convertía en viral el vídeo de un águila que robaba una cámara y se daba un paseo con ella. También aprovechaba para autorretratarse.

7.Katy Perry

Creo que no hace falta hacer comentario alguno sobre este gif de Kate Perry haciéndose una foto con un mono.

8.Obama, Cameron y Thorning

Y en pleno funeral de Mandela, algunos se saltan el protocolo y se hacen una autofoto. Y con esa cara de pocos amigos, no me quiero imaginar la reacción de Michelle Obama. A todo esto, ¿el senador de Kenia seguirá teniendo esa foto con Mandela trucada en Facebook?

9.Sasha y Malia

Y todo se pega, porque las chicas Obama también son fans de los selfies. Aquí están posando las dos juntas y poniendo sus caritas.

10.Tom Hanks y Steve Martin

Tom Hanks se sube al escenario para autoinmortalizarse con Steve Martin, uno de los grandes del humor estadounidense. Yo también lo haría.

FUENTE | ALTFOTO | CARMEN PORTEIRO

Hay quien se propone ir más al gimnasio, otros intentar conseguir metas laborales y nosotros, como buenos fotógrafos, también tenemos distinto objetivos que cumplir a lo largo del año. En este artículo os proponemos algunas de las plantillas más usuales de internet para sacudirnos la pereza de encima. ¿Quieres conseguir fotografías tan buenas como las que ver por Flickr, 500px o DeviantArt?, entonces cojamos la cámara, despeguémonos de la pantalla y salgamos a hacer buenas fotografías.

’365 days project’

Un clásico entre los clásicos, el tedioso proyecto 365. No conozco a nadie que haya empezado y acabado un 365 como Dios manda, que es haciendo una fotografía al día. Personalmente me parece uno de los peores proyectos a realizar, porque a no ser que uno tenga mucho tiempo libre o no tenga dos días iguales, las fotografías carecerán de un sentido artístico más allá de la obligación de subir una fotografía en nuestra plataforma preferida. La frustración es un elemento importante en este tipo de proyectos tan prolíficos, por lo que yo lo entiendo como una forma de presionarte a hacer fotografías, aunque no sea una vez al día.

’52 weeks project’

El ’52 weeks’ es un poco menos conocido, aunque creo que es más efectivo que el 365. Se trata de elaborar una fotografía de calidad por semana, reduciendo agobios, presiones y frustración. El papel de la fotografía se trata más que en ser prolífico, en tener imágenes con un valor añadido dado por el tiempo. 52 fotografías, por otra parte, es un número mucho mejor que 365 con el que repasar un año. Me parece el mejor proyecto para el que quiera meterse algo de presión para fotografiar sin agobiarse en demasía.

‘Abecedario’

El ‘Abecedario’ es un proyecto de duración personalizada, en el que tendremos que completar el abecedario con fotografías. Si la primera es la letra A, podemos hacerle una fotografía a un árbol, a un alambre, o un alma, el grado de complejidad lo escogemos nosotros. La idea es que la fotografía, ya que no tiene un ‘límite de tiempo’, sea de calidad, no simplemente una simple foto a un objeto.

‘Colores y/o formas’

En este proyecto intentamos más que limitarnos por tiempo o letras, por formas. Es decir, nos planificamos una serie de objetos con colores y formas, con la finalidad de salir a la calle y fotografiar un ‘círculo rojo’, un ‘triángulo amarillo’, un ‘rombo verde’ o un ‘cuadrado azul’. Tengamos en cuenta que tampoco debemos dejarnos llevar por las formas convencionales, y que si nos planificamos un ‘cuadrado’, tal vez una composición que recuerde a un cuadrado también nos sirva.

’100 strangers’

El proyecto ’100 strangers’ es muy interesante para aquellos interesados en la fotografía callejera. Este proyecto se basa en tomar 100 fotografías a personas desconocidas, descubriendo tal vez a nuestra musa/o. Podemos también dividirlo y hacer ’50 strangers’ para que se nos quede en una fotografía aproximadamente por semana. El resultado es interesante, aunque caeremos fácilmente en las composiciones y los retratos fáciles si optamos por realizar fotografías con un mismo punto de vista y ángulo. Lo ideal es contar con un reflector o un flash para realizar pruebas con la luz, consiguiendo mejores resultados.

Otros proyectos

Otros no se proponen proyectos con los que realizar fotografías, sino que se ponen metas profesionales: hacer una sesión de modelos, vender alguna fotografía, aprender a utilizar los flashes fuera de zapata, disparar un año con objetivos fijos, utilizar solo analógico… las posibilidades son ilimitadas dependiendo de tus aspiraciones como fotógrafo, por lo que no os atengáis solamente a uno de los divertidos proyectos que os damos aquí arriba, ya que podemos proponernos también avanzar como profesionales de la imagen.

Y tú, ¿cuáles son tus propósitos fotográficos para este año?, ¡compártelas en los comentarios y en Twitter con #PropositoFotografico y no olvides mencionar a @ALTFoto!

FUENTE | ALTFOTO | DANIEL JIMÉNEZ

Hoy os presentamos un curioso y agradable proyecto,Cardboard Box Office, que reproduce con cajas de cartón, objetos cotidianos y mucha creatividad escenas de famosa películas con el pequeño niño como protagonista. Los padres cuentan que se acumularon tras una mudanza un montón de cajas de cartón y que con la llegada de su hijo su vida social se alteró totalmente así que buscaron una forma de divertirse los fines de semana.

Y así crearon este proyecto con fotografías que suben a su web y a su página de Facebook donde se pueden seguir sus aventuras saltando de película en película.

Buscan películas irónicas, con trajes o vehículos representativos que puedan reproducir y llenar la imagen. Y para ello, las películas de acción, aventura o terror son perfectas. Aceptan sugerencias de su seguidores, pero siguen unas reglas para mantener la estética “casera” del proyecto. Por ejemplo pueden utilizar Photoshop para mejorar la luz y el color, pero no para añadir o manipular la imagen. Lo que se ve en las fotografías ha sido creado para reproducir la película. A veces utilizan angulaciones y perspectivas forzadas para conseguir diferentes efectos de alturas y escalas.

Hacen las fotos con una Nikon D80, sin trípode, pero utilizando lo que tienen a mano para suplir su falta como libros, mesas, estanterías… Orson, el niño con nombre tan cinematográfico, parece cooperar durante las sesiones fotográficas, que tratan de no alargar demasiado. Utilizan un temporizador con el que realizan varios disparos durante 5 minutos y sesión completada.

Tanto en su web como en su página de Facebook podéis ver muchas más fotos y películas con sus títulos. Yo ya soy su fiel seguidora, que están genial: Apollo, Jurasic Park, Alien, Terminator y un montón de películas más adaptadas por esta creativa familia que podéis disfrutar y descubrir.

FUENTE | ALTFOTO | CARMEN PORTEIRO

Hace poco más de una semana nos enteramos que a través de un exhaustivo análisis de los cambios introducidos al código fuente del sistema operativo Android, se podían ver algunos pedazos de código que claramente hacían referencia a la posibilidad de disparar en RAW con la cámara de los móviles. Lo que originalmente era un rumor, ahora está confirmado: al menos el Nexus 5 recibirá esta actualización en breve y, podemos intuir por el análisis del código anterior, que el resto de los dispositivos con Android también.

Según la nota de DPReview estos cambios confirman que se trata de una nueva API mejorada, que permitiría extender no solo a la aplicación de la cámara nativa del teléfono la posibilidad de disparar en RAW, sino todas las demás aplicaciones que hagan uso de esta. Recordemos que las APIs son atajos que pueden tomar los programadores, indicando al teléfono que es lo que quieren que este haga más que lidiar con sus funciones y procesos interiores. Al ser una API pública, cualquier aplicación de fotografía podría actualizarse fácilmente con unas pocas líneas de código y disparar en RAW automáticamente.

Ahora, dejando de lado lo interesante de la noticia, ¿qué ventajas trae esto al usuario común? El formato RAW por naturaleza es complicado; requiere un procesado posterior y usualmente es muy exigente, sea tanto desde el lado humano al ajustar cada valor, como también de lado del ordenador, debido a la cantidad de cálculos que debe ejecutar para procesarlo.

Justamente estos dos valores son cosas que escasean en el usuario móvil. En primer lugar el usuario móvil difícilmente quiera lidiar con fotografías luego de que las tomó. Al tener una cámara embebida al teléfono lo que se busca es rapidez; compartir de manera muy rápida esa comida que te sirvieron recién o ese gatito tan lindo que viste en la calle. Podríamos lidiar rápidamente en la pantalla del teléfono, ¿verdad? Unos ajustes rápidos por aquí y por allá y listo, tendrías tu RAW procesado en tu teléfono. Veamos el segundo punto para este problema.

Procesar un RAW no es sencillo, al menos en cuanto a lo que debe lidiar el ordenador. Estos archivos requieren de gran poder de procesamiento y, si bien algunos teléfonos de alta gama pueden estar a la altura de la tarea, la gran mayoría de los usuarios no posee semejante tamaño de procesador, por lo que los ajustes pueden ser bastante tediosos —teniendo que esperar entre ajuste y ajuste—y ni hablar de la exportación final. Un usuario de móviles es un usuario de poca atención, y si la aplicación que está utilizando es lenta, la cerrará sin dudar.

Claro que el agregado del RAW a los teléfonos móviles es una buena idea. Pero apunta a un nicho muy pequeño. A los fotógrafos que realmente quieren exprimir al máximo el jugo de la cámara de su móvil cuando no tienen su cámara profesional. A aquellos que realmente quieren lidiar con los archivos RAW, o sencillamente están acostumbrados a hacerlo.

Pero el usuario común difícilmente le saque provecho. La gran mayoría de usuarios de teléfonos no son fotógrafos y se les está regalando una función que casi es exclusiva de este último grupo. ¿La utilizarán? ¡Claro que no! Si al disparar y exportar a JPG la fotografía se ve tal cual lo esperaban o incluso mejor.

Este nuevo formato RAW está destinado para usuarios avanzados o, por qué no, para despertar a la competencia. Tal vez esto obligue a otros fabricantes a sacarse el polvo de los hombros y empezar a innovar un poco más. ¿Qué nos depara el futuro? No creo que una horda de usuarios de teléfonos ansiosos por disparar en RAW, pero si una competencia interesante entre fabricantes para ver quien otorga la mayor cantidad de opciones. Avísenme cuando podamos reenfocar las fotografías tomadas con mi móvil.

FUENTE | ALTFOTO | ANDRÉS REY