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Biografía de Walt Disney

A pesar de los esfuerzos de sus biógrafos, un fondo de leyenda sigue aún planeando sobre la figura de Walt Disney. Un repetido rumor asegura que Disney era un emigrante europeo, probablemente español, que llegó a los Estados Unidos y que, más tarde, por temor a suspicacias, falseó su origen. También han sido mitificadas las circunstancias de su muerte: muchos creyeron que Disney había sido congelado con modernas técnicas de hibernación. Su cuerpo aún permanecería así con las constantes vitales suspendidas, a la espera de un futuro en que pudiese despertar y nuevos procedimientos quirúrgicos reparasen su salud.

disney_340Walt Disney

Pero la prosaica realidad es que el cadáver Disney fue incinerado por deseo de sus familiares. No ha de extrañar, sin embargo, toda esta mezcla de realidad y fantasía alrededor de quien pasó a la historia de la cultura occidental como uno de los más prolíficos, contradictorios e influyentes cultivadores de la imaginación infantil.

Walter Elias Disney nació el 5 de diciembre de 1901 en Chicago, Illinois. Cuarto de los cinco hijos que tuvieron Elias y Flora Disney, su infancia transcurrió entre apuros económicos y bajo la severidad de su padre, carpintero de profesión, que probó suerte en toda clase de negocios sin que nunca consiguiera mejorar su maltrecha economía. Eternamente menospreciado por su padre, Walt creció muy unido a su madre, una antigua maestra descendiente de alemanes, y a su hermano Roy, ocho años mayor que él.

En 1906, Elias Disney decidió empezar una nueva vida en una granja cerca del pequeño pueblo de Marceline, Missouri, donde Walt descubrió la naturaleza y los animales. También entonces nació su interés por el dibujo, que compartió con su hermana pequeña, Ruth. Elias Disney hacía trabajar tan duro a sus hijos en el mantenimiento de la granja que los dos mayores, Herbert y Raymond, decidieron dejar el hogar para instalarse por su cuenta otra vez en Chicago.

Los difíciles comienzos

La precaria situación en que quedó la familia con la marcha de los dos jóvenes empeoró en el invierno de 1909, cuando el padre contrajo fiebres tifoideas y la enfermedad le obligó a vender la granja y a trasladarse a Kansas City, Missouri, donde encontró un empleo como repartidor de periódicos, tarea en la que Roy y Walt le ayudaban. Ello supuso un menor rendimiento del pequeño Walt en la escuela, donde nunca fue un alumno aventajado. Pasados un par de años, Walt, que ocasionalmente ganaba algún dinero vendiendo sus caricaturas, se matriculó en el Instituto de Arte de Kansas City, donde aprendió las primeras nociones sobre la técnica del dibujo. En aquellos años de su adolescencia descubrió el cine, un invento que le apasionó desde el primer momento.

disney_ambulanciaDurante la guerra fue conductor de ambulancias
(el dibujo en la lona es del propio Disney)

En 1917, cinco años después de que Roy Disney abandonara también el hogar paterno, Elias Disney se trasladó con su mujer y sus dos hijos pequeños de nuevo a Chicago, donde probó suerte montando una pequeña fábrica de mermelada. En la primavera de 1918, Walt, con sólo diecisiete años, falsificó su partida de nacimiento y se enroló como soldado en la Cruz Roja para combatir en la Primera Guerra Mundial. Llegó a Europa cuando ya había paz, pero estuvo destinado en Francia y Alemania hasta septiembre de 1919. Una vez licenciado, se fue a vivir con su hermano Roy a Kansas City, donde buscó empleo como dibujante.

Su sueño era convertirse en un artista del Kansas City Star, el diario que había repartido en su infancia, pero encontró trabajo como aprendiz en una agencia de publicidad, la Pesmen-Rubin Commercial Art Studio. Con un sueldo de 50 dólares al mes, en aquel empleo conoció a Ubbe Iwerks, un joven de su misma edad y excepcionalmente dotado para el dibujo, con el que entabló amistad. Cuando los dos se quedaron sin trabajo montaron su propia compañía, la Iwerks-Disney Commercial Artists. La empresa duró apenas un mes, ya que Walt prefirió aceptar un empleo seguro, aunque convenció a sus nuevos jefes para que contrataran a Iwerks. En aquel trabajo ambos aprendieron las técnicas, todavía muy rudimentarias, de la animación cinematográfica.

disney_1922Disney trabajando en Laugh-O-Gram Films(1922)

Inquieto e innovador por naturaleza, Disney pidió una cámara prestada y montó un modestísimo estudio en el garaje de su casa, en el que con la ayuda de Iwerks y trabajando por las noches, produjeron su primera película de dibujos animados. El filme tuvo aceptación y consiguieron nuevos encargos hasta que Disney, que todavía no había cumplido los veintiún años de edad, convenció a Iwerks para que volvieran a probar suerte como empresarios con una compañía a la que llamaron Laugh-O-Gram Films. Con una producción basada en cuentos tradicionales, las cosas les fueron bien hasta que la quiebra de su principal cliente los arrastró también a la bancarrota.

A Hollywood

En 1923, después de intentar inútilmente remontar el bache, Disney emigró a Hollywood. La floreciente industria cinematográfica había convertido a Hollywood en una tierra de promisión. Disney creyó que con su experiencia como cámara obtendría trabajo de director, pero ningún estudio quiso contar con sus servicios, por lo que decidió volver a montar su propia empresa con su hermano Roy como socio. El 16 de octubre de 1923, la Disney Brothers Studio firmó su primer contrato importante, pero todavía insuficiente para hacer frente a sus dificultades financieras. Ya entonces, Walt puso de manifiesto lo que después sería una constante en su compañía: que era capaz de recurrir a cualquier estratagema para sacar el negocio adelante. En 1924, Ubbe Iwerks se unió a ellos y Walt pudo dejar de trabajar como animador para dedicarse al área para la que siempre estuvo más capacitado: la creación de personajes y argumentos y la dirección.

El 13 de julio de 1925, tres meses después de que su hermano Roy se casara, Disney contrajo matrimonio con Lillian Bounds, una joven empleada de su estudio, con la que tuvo dos hijas: Diane Marie, nacida el 18 de diciembre de 1933 cuando el matrimonio ya descartaba que pudieran tener descendencia, y Sharon Mae, a la que adoptaron en 1936. En la primavera de 1926, y después de haber tenido que cambiar de local porque la compañía crecía, los dos hermanos cambiaron el nombre de su empresa, que pasó a llamarse Walt Disney Studio. Pero el estudio sufrió un importante revés cuando su principal cliente se quedó con los derechos del Conejo Oswald, un personaje creado por Disney que había protagonizado diversos cortometrajes.

El triunfo del ratón Mickey

Con la determinación de eliminar en lo sucesivo los intermediarios, Disney concibió durante un viaje en tren de Hollywood a Nueva York a Mortimer, un ratoncito rebautizado luego con el nombre de Mickey por sugerencia de su esposa y al que Iwerks dio forma. Así lo contó Disney, pero, en realidad, la paternidad de Mickey Mouse ha sido siempre motivo de polémica, y actualmente tiende a atribuirse el propio Iwerks. En octubre de 1928, cuando Disney buscaba distribuidor para las dos películas que había producido con Mickey Mouse como protagonista, se proyectó el primer filme del cine sonoro. Adelantándose a otros productores que creyeron pasajera aquella innovación, Walt se apresuró a incorporar el sonido a una tercera película de Mickey, Willie en el Barco de Vapor (1928). Buen imitador de voces y acentos, Disney hizo que el ratoncillo y su novia, Minnie, hablaran con su propia voz para abaratar costes. La película, estrenada el 18 de noviembre de 1928 en un teatro de Nueva York, obtuvo un rotundo éxito de público y crítica.

mickeybarcovapor3Fotograma de Willie en el barco de vapor (1928)

En 1929, con su excepcional sexto sentido para los negocios, autorizó que varias compañías reprodujeran en sus productos la imagen de Mickey Mouse, al que incorporaron guantes y zapatos blancos para evitar que manos y pies desaparecieran sobre fondos oscuros. El 13 de enero de 1930 empezó a publicarse una viñeta del popular personaje (con Disney como guionista e Iwerks como dibujante) en varios periódicos de Estados Unidos, y ese mismo año se editó un libro de dibujos de Mickey que fue reeditado en numerosas ocasiones.

Adicto al trabajo, para el que robaba muchas horas de sueño, Disney tuvo una seria crisis de salud que le obligó, a finales de 1931 y cuando el Club de Mickey Mouse ya tenía un millón de miembros, a tomarse unas largas vacaciones con su esposa. De vuelta a Hollywood, se apuntó a un club deportivo donde practicaba boxeo, calistenia, lucha libre y golf. Poco después descubrió la hípica y, finalmente, el polo, del que fue un fanático durante el resto de su vida. Una afición que cultivó con tanta pasión como su fascinación por los trenes y las miniaturas.

Con Mickey Mouse como buque insignia de una compañía en alza, Disney creyó que no debía dormirse en los laureles ni aburrirse haciendo sólo películas del famoso ratoncillo, que en 1932 le supuso el primero de los Oscar que recibiría durante su carrera. Respaldado por un equipo de excelentes dibujantes e ilustradores, desplegó todo su espíritu creativo en la primera serie de sus Sinfonías Tontas (1932). Realizados en technicolor, los diversos cortometrajes que componían esta producción significaron en su época un experimento sobre el uso expresivo del color. En noviembre de aquel mismo año, el estudio Disney se convirtió en el primero que tuvo su propia escuela de dibujantes y animadores.

Un año más tarde, el 27 de mayo de 1933, estrenó la sinfonía tonta que hacía el número treinta y seis y que iba a tener un éxito inesperado: Los Tres Cerditos. Sin pretenderlo, su famosísima canción ¿Quién teme al lobo feroz? se convirtió en un canto de esperanza para millones de norteamericanos que intentaban no ser devorados en la vida real por la Gran Depresión. En 1934, cuando su estudio contaba con 187 personas, nació el Pato Donald, un personaje de carácter irascible y perverso, que vino a sumarse a los perros Pluto y Goofy.

Los Largometrajes

Cuando ya se había hecho un nombre en la industria de Hollywood, Walt Disney emprendió una iniciativa arriesgada y sin precedentes: producir el primer largometraje de dibujos animados de la historia del cine.Blancanieves y Los Siete Enanitos (1937) demostró no sólo que Disney y su equipo eran unos virtuosos de la animación, sino que los dibujos animados podían ser todo un género cinematográfico. La película recaudó cuatro millones de dólares, todo un récord para la época, pero dejó endeudado a Disney hasta 1961 por culpa de la amortización de los créditos que tuvo que pedir, ya que el presupuesto inicial de 500.000 dólares de la película había acabado triplicándose.

blancanieves3Blancanieves y los siete enanitos (1937)

En Blancanieves y Los Siete Enanitos se utilizó por primera vez la cámara multiplano, capaz de sugerir profundidad de campo gracias a un ingenioso sistema de superposición de cinco láminas filmadas en un mismo plano para simular lejanía, y un nuevo sistema de technicolor. La película fue el primer ejemplo de que el cine de animación de la escuela Disney tenía un sólido procedimiento narrativo, en el que los personajes humanos eran descritos a partir de la «mirada» de los animales humanizados o de los seres fantásticos. También quedó patente en el filme el gusto de Disney por lo tenebroso y su estilo de sugerir más que de mostrar abiertamente el terror.

La década de los cuarenta fue un período de gran actividad en la Disney, caracterizado tanto por la consolidación del estilo iniciado con Blancanieves y Los Siete Enanitos como por la contradicción que Walt sentía entre su tendencia artística a la innovación y al riesgo y la necesidad de atender a un mercado nada dado a las novedades y los experimentos. Reflejo de ello fue la tibia respuesta del público a las siguientes películas salidas de su «factoría» de sueños. Pinocho (1940), considerada como una de las piezas maestras del cine de animación por los críticos y en la que se invirtieron 2.600.000 dólares, fue un desastre comercial.

Lo mismo sucedió con Fantasía (1940), que costó 2.300.000 dólares. En ella dibujantes y animadores combinaron las evoluciones de los personajes de dibujos animados con la música de Stravinski, Dukas, Beethoven, Ravel, Bach o Chaikowski. Considerada una obra maestra por unos y una insultante caricatura de la música clásica por otros, Fantasía no fue la «obra total» que Walt Disney había imaginado y deseado. Estos fracasos comerciales abrieron una importante brecha económica en la empresa, paliada poco después por los éxitos consecutivos de Dumbo (1941) y Bambi (1942).

fantasia3Fantasía (1940)

Después del sketch sobre La Danza de las Horas, de Ponchielli, que codirigió con Norman Ferguson en Fantasía utilizando el seudónimo de T. Hee, Walt Disney abandonó el campo de la realización para dedicarse casi en exclusividad a la tarea de dirigir el incipiente imperio cinematográfico en el que se había convertido la empresa que tan modestamente había iniciado quince años antes. El 6 de mayo de 1940 finalizó la construcción de sus nuevos estudios en Burbank, que le granjearon el sobrenombre de «Mago de Burbank».

Diseñados por él mismo con el objetivo de facilitar el trabajo de sus empleados, aquellos estudios contaban con veinte grandes edificios, separados por calles a las que se les puso el nombre de sus personajes. La plantilla de la empresa rondaba los 2.000 empleados, a los que Disney exigía un alto nivel de creatividad y producción a cambio de salarios muy bajos, aunque nunca reparó en gastos a la hora de hacer sus películas y siempre llevó personalmente una vida privada sin lujos ni ostentaciones.

Anticomunista furibundo

El 10 de noviembre de 1940 empezó a colaborar con el FBI, después de que el entonces director de la agencia federal de investigación, J. Edgar Hoover, hubiera intentado en varias ocasiones reclutar al productor cinematográfico como agente para que le facilitase cualquier información o detalle sobre la presencia de elementos subversivos (comunistas, sindicalistas o anarquistas) en Hollywood. Sin embargo, los primeros devaneos políticos de Disney tuvieron un cariz más progresista y se remontaban a 1938, cuando se adhirió a la Society of Independent Motion Picture Producers, asociación de productores y cineastas independientes opuestos al dominio absoluto de los grandes estudios de Hollywood. Desde aquel grupo, que contaba con figuras como Orson Welles o Charlie Chaplin, Disney fue derivando hacia un ideario próximo al partido nazi norteamericano y a un sentimiento fuertemente antimarxista.

En 1941, un sindicato de ilustradores recién creado en su compañía amenazó al «Mago de Burbank» con ir a la huelga en demanda de mejores salarios. Disney pretendió evitar personalmente el conflicto dirigiendo un discurso a sus empleados, pero éstos, para estupor suyo, ya que concebía la empresa como una gran familia, no le dejaron pasar de las primeras frases. El 29 de mayo de aquel año, los estudios Disney quedaron casi paralizados por una huelga en la que participaron la mayoría de los trabajadores y que duró todo un año. El conflicto se saldó cuando la empresa aceptó que los trabajadores pudieran elegir libremente su sindicato, incluido el izquierdista Screen Cartoonists Guild.

disney_1941Walt Disney en 1941

Los acuerdos que llevaron al final de la huelga fueron firmados por Roy Disney, ya que Walt se encontraba de viaje por diversos países de Sudamérica. De aquel largo viaje salieron varias películas destinadas básicamente al público latinoamericano. Entre ellas, Saludos, Amigos (1943) y Los Tres Caballeros (1945), en las que combinó dibujos animados y actores de carne y hueso. En 1943, buena parte de sus mejores dibujantes le abandonaron para fundar la UPA (United Productions of America), donde nacería, entre otros, el miope personaje de Mister Magoo.

Una vez finalizada la Segunda Guerra Mundial, en la que Disney había accedido a filmar para el gobierno estadounidense películas propagandísticas, dejó la presidencia de su compañía, cediéndole el cargo a su hermano Roy, pero sólo mantuvo unos meses aquella decisión y a finales de 1945 volvió a ocupar el sillón presidencial. Nada más volver, despidió a más de 400 empleados, asegurando que la empresa pasaba por una crisis y tenía que cumplir el acuerdo concertado con la Screen Cartoonists Guild de conceder el aumento salarial del 25% a los dibujantes.

Reafirmado en su antimarxismo y colaborador del FBI hasta su muerte, Disney se comprometió a abortar todo elemento que atentara contra la nación norteamericana en la reunión celebrada el 24 y el 25 de noviembre de 1947 en el hotel Waldorf Astoria de Nueva York, que culminó con la llamada Declaración Waldorf, en la que muchos productores cinematográficos se comprometieron a colaborar con la Comisión de Actividades Antiamericanas en la «caza de brujas».

En agosto de 1948 hizo un viaje con su hija Sharon para filmar imágenes en Alaska, y con el material realizó la serie de cortos titulados Aventuras de La Vida Real. Su hermano Roy se opuso al proyecto (para entonces estaban ya tan distanciados que sólo se veían después de pedir cita a sus respectivas secretarias) y auguró un incierto destino a este tipo de documentales. Se equivocó, ya que el primero de ellos, titulado La Isla de las Focas (1948), no sólo resultó rentable, sino que fue premiado con un Oscar en la categoría de cortometrajes.

Prácticamente finalizada la década de los cuarenta, Disney recibió una interesante propuesta de Howard Hughes: un crédito sin intereses de un millón de dólares a cambio de su ayuda en un terreno (el sector cinematográfico) que el multimillonario tejano no conocía y en el que quería invertir. Con aquel dinero, Disney puso en marcha 18 nuevos proyectos, entre ellos Cenicienta (1950), Alicia en el aís de las Maravillas (1951) y Peter Pan (1953). Tras una costosísima incursión en el cine futurista con 20.000 Leguas de Viaje Submarino (1954), volvió a proyectos más baratos y que sintonizaran con el orgullo de ser norteamericano. Para entonces, su compañía ya no era la reina de los dibujos animados. La Warner Brothers empezaba a hacerle una seria competencia con la estrella de su serie Looney Tunes, Bugs Bunny. Aquel conejo era el contrapunto del cándido, apolítico y asexuado Mickey Mouse, que a principios de los años cincuenta vivió sus momentos más bajos de popularidad, aunque siguió siendo el personaje preferido de Disney y el emblema de su imperio.

Disneylandia

En 1953, después de ganar un nuevo Oscar al mejor documental con El Desierto Viviente, inició conversaciones con la cadena televisiva ABC para ceder la emisión de sus películas al nuevo invento. A diferencia de otros productores de Hollywood, que la consideraban una amenaza, Disney creyó que la televisión era un excelente medio de difundir sus productos. Un año después inició la realización de filmes específicamente para televisión, la parte de su producción artística más denostada por los críticos. Críticas que también le lloverían años después con Mary Poppins (1964), su primer largometraje con sólo actores reales. Pero a Disney no le importaron, porque esas películas le daban el dinero que necesitaba para hacer realidad un proyecto que acariciaba desde hacía tiempo: construir un enorme parque de atracciones basado en sus personajes.

Disney y Von Braun (1954)Disney y Von Braun (1954)

Adicto al trabajo y perfeccionista, el productor cinematográfico diseñó hasta el último detalle de Disneyland, que abrió sus puertas el 17 de julio de 1955 en Anaheim, California. Este parque, con una extensión de 120 hectáreas, costó 17 millones de dólares, y Main Street USA, su calle principal por donde transitaban cientos de actores disfrazados de personajes, recreaba a la perfección la calle mayor de Marceline, el pueblo donde vivió su infancia Disney, que aquel verano de 1955 ya era abuelo del primero de los diez nietos que tuvo.

Multimillonario y galardonado con veintinueve Oscars, en la década de los sesenta se había consolidado como uno de los personajes más conocidos y queridos de todo el mundo, pero su salud flaqueaba, y todo su imperio entró en una lucha por la sucesión. Fumador empedernido y aficionado al alcohol, murió el 15 de diciembre de 1966 en Los Ángeles, California, víctima de un cáncer de pulmón, después de haber supervisado los esbozos de Disney World, parque temático al estilo de Disneyland pero más enfocado hacia los adultos, que abriría sus puertas en 1971 en Orlando, Florida (en 1983, la compañía inauguró en Japón el Tokio Disneyland y en 1992 abrió sus puertas el Euro Disney de París).

El «Mago de Burbank» había fallecido sin llegar a ver terminado El Libro de la Selva (1967), la segunda película más comercial de Disney desde los tiempos de Blancanieves y que dirigió Wolfgang Reitherman, quien asumió la producción de los largos de animación disneyanos hasta 1981. Después de años de mucha producción y pocos éxitos destacables, los estudios Disney volvieron a ser los reyes del género de dibujos animados con La Bella y la Bestia (1991), Aladdin (1992) y El Rey León (1994). Con el fallecimiento de Disney, entraba en la leyenda uno de los nombres fundamentales de la cultura popular del siglo XX. Con variada fortuna, tratarían de sustituirle figuras tan dispares como su hermano Roy O. Disney, su sobrino Roy E. Disney y su yerno Ron Miller. Pero sólo el productor ejecutivo Michael Eisner demostró ser un digno sucesor suyo.

 

FUENTE | BIOGRAFIASYVIDAS.COM | WALT DISNEY

9
sep

Conoce la historia de la fundación de Maracaibo en su 485 aniversario

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Este 8 de septiembre Maracaibo festejará 485 años. Mucha polémica se tejió durante décadas sobre la fundación de esta ciudad, hecho que la historia atribuye a cuatro personajes, de acuerdo a la obra Biografía de Maracaibo, del doctor en Ciencias Políticas, el zuliano Alfredo Tarre Murzi. “A Maracaibo la fundaron en cuatro tiempos: primero, los indios, muchos años antes de nuestra era; luego un alemán llamado Ambrosio Alfínger; más tarde, un español de Talavera La Vieja llamado Alonso Pachecho; y, por último, otro conquistador hispano que decía llamarse Pedro Maldonado“, refiere.

Después de muchos años de dudas sobre el verdadero fundador de Maracaibo, “el Hermano Nectario María, hijo de la Congregación de San Juan Bautista de La Salle, luego de estudiar profundamente los archivos de Indias y estar entre infolios de incalculables bibliotecas desentrañó la verdad en su libro sobre Los Orígenes de Maracaibo”, y ese libro sirvió de base para que el Centro de Historia del Estado Zulia, en 1965, estableciera el definitivo criterio siguiente: El fundador de la ciudad de Maracaibo fue Ambrosio Alfínger. Fecha de fundación, 8 de septiembre de 1529. Fueron refundadores de la ciudad el capitán Alonso Pacheco en 1569 y el capitán Pedro Maldonado en 1574″, se lee en la obra de Tarre Murzi.

La ciudad está bordeada por el Lago de Maracaibo, el más grande de Sudamérica prácticamente en la entrada del Golfo de Venezuela, posee una extensión de 557 km2, en ella desembocan vías de comunicación de gran importancia de la zona occidental de Venezuela, es catalogada como la segunda ciudad más importante del país, cuenta con el tercer puerto de mayor actividad comercial, es la capital del Zulia, uno de los estado productores de petróleo más importante de América del Sur y en donde se desarrollan otras actividades de importancia como la agro-pecuaria, industrial y educativa.

Maracaibo es la cuna de una serie de hombres ilustres como Rafael Urdaneta, prócer zuliano, a quien Bolívar llamó El Brillante, Venancio Pulgar, Idelfonso Vázquez, Francisco Ochoa, Eduardo López Rivas, Udón Pérez, Marcial Hernández, Jesús Enrique Lossada, Armando Molero, Ricardo Aguirre, Humberto Fernández Morán, Astolfo Romero, Luis Aparicio Ortega, Luis Aparicio Montiel, Pachencho Romero, Felipe Pirela, Cheo García, Mario Suárez, entre otros.

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Diario Panorama – Conoce la historia de fundación de Maracaibo en el 484 aniversario

 

FUENTE | VEONOTICIA | ZULIA

20
jun

¡Feliz 15 aniversario, Counter-Strike!

En un día como hoy, hace 15 años, Minh Le y Jess Cliffe lanzaron la primera versión de Counter-Strike, un mod del popular juego Half-Life, que se convirtió en el juego FPS más popular de la historia y cuyo legado todavía vivimos.

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Se cumplen 15 años del lanzamiento de la primera versión de Counter-Strike, y desde Ecetia queremos celebrarlo de la mejor forma posible con un artículo homenaje de este gran juego que ha marcado nuestras vidas, y que sigue apasionándonos como el primer día pese al paso de los años.

El mod que lo cambió todo

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Minh Le, Gooseman en la red, trabajaba en el equipo de desarrollo del Quake II como modelador 3D, encargadose sobretodo de los personajes del juego. Jess Cliffe se incorporó oficialmente al equipo para participar en la creación de los mapas. Siendo así como los dos diseñadores se conocieron. Minh Le tenía el deseo de crear un mod con armas, trajes y ambientación en la lucha antiterrorista con el único fin de divertir a la comunidad sin animo de lucro.

El modelador le comunicó a Jess Cliffe su deseo e ideas y encantado formaron pareja para comenzar a desarrollar el juego. Por azares del destino a los pocos días fue lanzado Half:Life, Sin apenas presupuesto o tiempo se creo uno de los juegos más populares de la historia el cual tenía la posibilidad de crear tus propios mapas, personajes etc; por lo que comenzaron a desarrollar su mod partiendo de este juego.

Sin presupuesto alguno y tan solo contando con el tiempo libre de los dos desarrolladores, el mod Counter-Strike empezó a tomar vida. Minh Le se encargaba de los modelos y la programación, y Jess Cliffe de las texturas 2d, el sonido y la página web por la cual el mod se dio a conocer. El 19 de junio de 1999, hace 15 años, se lanzo la primera beta del mod alcanzando una gran popularidad en Internet.

Minh Le y Jess Cliffe estuvieron escuchando constantemente a los jugadores de todo el mundo que probaban la beta y arreglando todos los bugs que comunicaban además de añadir funciones que la comunidad pedía. Todo en un intervalo de tiempo muy escaso, llegando a durar las versiones del juego tan solo 1 semana. El espectacular trabajo del dúo y la acogida de la comunidad hizo de Counter-Strike uno de los juegos en línea más jugados del momento, superando a titanes como Quake y Unreal Tournament.

De mod a forma de vida

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No tardaron, los por aquel entonces editores del Half-Life, en proponer la adquisición de los derechos del juego de Minh Le y Jess Cliffe; los cuales aceptaron siendo reclutados por Valve como integrantes del equipo de programación y diseño del juego. La primera versión final del juego, la 1.0, salió el 8 de Noviembre del año 2000 bajo el nombre Half-Life: Counter-Strike. Desde su salida en 1999 el juego empezó a ser un fijo en el escritorio de todos los PC de los ciber-cafés de todo el mundo.

Sus pocos requerimientos en hardware, incluso para la época, y sus rondas cortas pero intensas hicieron del Counter-Strike el juego ideal en las LAN. Los primeros años del juego coincidieron con el boom de Internet y los ciber-cafés en nuestro país, Sus pocos requisitos y rondas cortas hicieron del CS el rey de todos los ciber-cafés empezándose a convertir el Counter-Strike en algo más que un juego, fue parte de nuestras vidas.

La llegada de Steam y la extensión a casi a la totalidad del mundo de Internet hizo que el componente táctico y de juego de equipo del Counter-Strike explotase como eSport junto a Quake y Starcraft. Cada vez eran más numerosas las competiciones y los jugadores interesados en ellas, siendo el Counter-Strike uno de los pilares de los eSports hasta hoy en día, donde el Counter-Strike: Global Offensive es uno de los juegos FPS más jugados de la actualidad, conservando casi en su totalidad los movimientos, mapas y esencias del juego que nació hace 15 años.

Ha habido y habrá muchos juegos FPS pero la dificultad del Counter-Strike, el componente táctico y competitivo, las famosas “config”, los humos, las flashbang, las siempre increíbles atravesadas por las paredes y cajas, las muertes a cuchillo, las desactivaciones de bomba cuando tan solo faltaban milisegundos para perder la ronda y la partida, las tardes en el ciber con los amigos, las noches buscando partida en IRC, las horas viendo repeticiones por el HLTV… siempre nos hará pensar que fuiste y serás el mejor juego FPS de la historia. Gracias Counter-Strike, que cumplas muchos más.

 

FUENTE | ECETIA | FÉLIX PALAZUELOS

25
feb

Hoy Apple celebra el cumpleaños 59 de Steve Jobs

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El día de hoy se cumple lo que habría sido el cumpleaños número 59 de Steve Jobs, y tanto como Tim Cook y seguidores en todo el mundo del fallecido Co-fundador y CEO de Apple, realizaron un merecido homenaje a través de su página oficial de Apple.

Donde todos los asiduos seguidores, podremos hacer llegar nuestros pensamientos y saludos a través de mensajes personales, que serán publicados cronológicamente durante el día de hoy.

Sin embargo, una emotiva publicación a través de su cuenta de Twitter del actual CEO de Apple, Tim Cook causaría conmoción entre sus fanáticos. Y es que como era de esperarse, Tim Cook recordó a quien fue por muchos años además de socio, su amigo.

En su emotivo mensaje, reconoce la importante labor que a desempaño Steve Jobsdentro de Apple, y a través de una promesa, Cook  reafirma su compromiso para seguir desarrollando lo mejor posible “El trabajo que tanto amaba el fallecido Jobs”.

Por otro lado, Cook habría aprovechado la ocasión para hacer algunas menciones importantes, frente a los planes futuros de Apple, indicando que “Se vendría algo realmente grande” y además se dejo entrever, la posible existencia de una nueva categoría dentro de los productos de la compañía.

Aquí más detalles: Remembering Steve Jobs

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FUENTE | IPHONEATE | JC

6
feb

El equipo de desarrolladores del Mac original, reunido de nuevo treinta años después

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¿Qué mejor manera de cerrar nuestra semana del 30 aniversario del Mac que viendo unidos de nuevo a su equipo original de desarrolladores? Todos los implicados se han vuelto a ver las caras en el evento Mac30th que se ha celebrado en el Flint Center de Cupertino tal y como se anunció hace unos días.

El evento se dividió en tres partes: la concepción del Mac, su desarrollo y el software que se desarrolló para él desde empresas externas. Todo fue presentado por Bill Fernandez, empleado número 4 de Apple; y durante el evento se pudieron oír varias anécdotas y curiosidades de los primeros implicados en el proyecto del Mac.

Jerry Manock, por ejemplo, contó cómo creía que estaba automáticamente despedido de Apple cuando cometió un error en el diseño del Apple III. Steve Jobs lo llamó a su despacho, pero lo que se creía que iba a ser un despido fulminante terminó siendo un ingreso en el equipo de diseño del Macintosh.

Bill Atkinson calificó la creación del Mac como “arte” y no como trabajo

Ron Holt, el responsable de los adaptadores de corriente del Apple II, describía la implicación de los desarrolladores con el proyecto:

Pasó de ser un abstracto a ser una realidad. Fue una suma de sus partes, y cada parte era justo lo que se quería que fuese. Y veréis: con ese entusiasmo fue con el que nos pusimos a trabajar con ese ordenador. Es lo mismo que pasó con el Apple II. Todos trabajamos en ese Apple II porque queríamos ese Apple II. Ese proceso de invención fue muy inusual. Creo que este mundo podría hacer más uso de esto.

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También se recordaron las duras jornadas de trabajo (a veces de noventa horas a la semana intentando pulir todos los detalles del Mac antes de que éste se enviara) y la competencia con Microsoft, recordando cómo Bill Gates decía que había más desarrolladores fabricando software para el Mac en su compañía que en la propia Apple. Este comentario hizo que todo el público aplaudiera:

Si tenían más gente que nosotros entonces no dice mucho de la calidad del software que tenían…

Steve Capps añadió más leña al fuego con Microsoft (donde el propio Steve trabajó unos años después de crear el Finder original para el Macintosh), recordando que en muchas reuniones de la compañía Bill Gates siempre preguntaba “qué es lo que haría Apple” ante alguna duda o problema.

En el evento también intervino Caroline Rose, que escribió toda la documentación del Macintosh. Entre otras cosas contó cómo el equipo derramó lágrimas al saber que el precio del Mac tenía que subirse 500 dólares para poder cubrir los costes de Marketing. Significaba que los mismos que crearon el Mac no podían permitirse su compra. Otra ponencia clave fue la de Mike Markkuka, antiguo CEO de Apple. Subió al escenario para repetir la demostración original del Mac, y el equipo de desarrolles le regaló una placa donde se le decía que ni Apple ni el Macintosh no habrían sido lo mismo sin él.

Por último, en el panel de los desarrolladores de terceros, varios programadores contaron cómo crear aplicaciones para el Mac cambió sus vidas y cómo esto sigue vigente con el fenómeno de la App Store. Y no todo eran programadores: el fundador de Macworld David Bunnell también explicó cómo tuvo que engañar a Steve Jobs para que apareciese en la portada del primer número de la revista. Resulta que Steve no quería salir en ella, pero Bunnell le convenció. Tras hacerse las fotografías Steve volvió a decir que no, pero le engañaron diciéndole que la revista ya estaba impresa para que no pudiese hacer nada para evitarlo. El resultado es el que todos sabemos:

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El evento terminó con una carta del equipo del Macintosh hacia el propio ordenador. Os dejo con la traducción:

Querido Mac, hoy celebras tu 30 cumpleaños. He aquí algunas cosas que queremos que sepas ahora que entras en tu cuarta década. Tu familia cercana te ha querido mucho. Nos divertimos mucho siendo piratas y trabajando muy duro juntos antes de que nacieras. Eras mono y regordete pero has crecido para ser estilizado como un lápiz con la potencia de un jugador de rugby. Escribiste y dibujaste bocetos a una edad muy temprana, y quién iba a pensar que ahora estuvieses haciendo películas tú solo y compartiéndolas con personas de todo el mundo.

Tu lista de hechos es realmente increíble. Estamos muy, muy orgullosos de todas las tareas que has dominado. ¡Muchas más de las que nos hubiéramos imaginado! Nunca olvides que tus padres siempre han querido que seas respetuoso con la individualidad de cada usuario. Esperamos que continúes ayudándoles a comunicar sus particularidades con otros.

No dejes que la vanidad y los cumplidos sobre tu belleza hagan que te olvides de tus objetivos primordiales: potenciar la innovación y creatividad. Y mantén tu sentido del humor. Los verdaderos artistas no sólo producen, ¡se ríen! No te olvides del pequeño Mac Man que a veces correteaba por tu escritorio. Esperemos que tengas un gran cumpleaños. Te deseamos que tu éxito siga así, ayudando a pilotar la nave nodriza.

Atentamente, los miembros del equipo de desarrollo del Macintosh en 1984.

 

FFUENTE | APPLESFERA | MIGUEL LÓPEZ

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